Data Artikel

Delapan Ruang Seni Baru Yang Wajib Dikunjungi di Brooklyn

/in , /by

Dari ruang bawah tanah Williamsburg hingga ruang tamu Bed-Stuy dan ruang proyek di Gowanus, tidak ditemukan kekurangan seni di wilayah tersebut.

Foto oleh Valentina Di Liscia, Billy Anania and Elaine Velie

Installation view of Kiah Celeste’s 2022 exhibition The Right Side Down at Swivel Gallery (photo courtesy the gallery)

Ini tahun baru dan saya tidak tahu tentang Anda, tetapi saya mencoba memanfaatkan perasaan segar ini diawal kalender ini selama mungkin. Dan cara apa yang lebih baik untuk menikmati kanvas kosong tahun 2023 selain menghabiskan waktu di ruang seni baru  Brooklyn. Dalam ulasan kami di bawah ini kami menyoroti galeri, organisasi, dan ruang proyek di wilayah tersebut. Banyak dari mereka telah membuka pintunya untuk umum dalam satu atau dua tahun terakhir; yang lain telah ada lebih lama tetapi baru saja pindah ke pinggiran kota atau memulai debutnya di tempat lain. Mereka masing-masing memiliki sesuatu yang berbeda untuk ditawarkan dan merupakan bukti nyata komunitas seni Brooklyn yang terus berkembang dan berubah. Selamat menjelajahi galeri! -Valentina di Liscia

 

Swivel Gallery

Apa yang langsung mencolok dari Swivel Gallery di Bed-Stuy adalah desainnya, dengan dinding berliku-liku dan bergelombang seperti awan penuh kasih yang memeluk karya seni yang dipamerkan. Pendiri Swivel, Graham Wilson, menyebutnya sebagai “inkubator” bagi seniman baru dan pendatang baru, dan sejak pembukaannya pada Januari 2021, pameran karya Kajin Kim, Kiah Celeste, Aris Azarmsa, dan banyak lagi telah ditampilkan kemungkinan tak terbatas dari ruang yang tidak konvensional. Untuk pameran solo Celeste tahun lalu, yang berjudul The Right Side Down, artis yang berbasis di Louisville, Kentucky ini menampilkan bahan daur ulang dan pahatan benda-benda temuannya dalam susunan kocar-kacir yang tampaknya menentang gravitasi. Pembukaan 26 Januari adalah Potheads, pameran grup yang menampilkan karya Derek Weisberg, Anousha Payne, Charles Snowden, Debra Broz, Wade Tullier, dan banyak lagi. Menurut Wilson, Swivel Gallery menyumbangkan 10% dari hasil penjualan ke organisasi nirlaba lokal dan telah berjanji untuk terus melakukannya tanpa batas waktu. — VD

Swivel Gallery (swivelgallery.com)

329 Nostrand Avenue, Bed-Stuy, Brooklyn

 

Works by Elena Redmond (left) and Rachael Tarravechia (right) at Tchotchke Gallery 

Tchotchke Gallery

Terselip di ruang bawah tanah Williamsburg – yang secara ajaib bermandikan cahaya alami – Danielle Dewar dan Marlee Katz membuka lokasi permanen pertama Tchotchke Gallery setelah dua tahun mempertahankan kehadiran online dan pop-up karena pandemi. Pameran Kepulangan, yang ditampilkan hingga 11 Februari, adalah pameran ke-20 mereka tetapi hanya pertunjukan fisik mereka, dan menampilkan lukisan karya empat seniman Tchotchke – Josiah Ellner, Debora Koo, Elena Redmond, dan Rachael Tarravechia. Sementara karya mereka menggambarkan subjek yang sangat berbeda, Homecoming adalah ode yang kohesif untuk warna dan ingatan pribadi. Karya berskala besar Ellner yang penuh semangat mempertimbangkan hubungan manusia dengan alam, dan lukisan Koo yang detail menggambarkan momen-momen tertentu dalam hidupnya (semuanya berpusat pada makan makanan penutup) dengan perhatian yang cermat terhadap cahaya dan waktu. Sosok Redmond memadukan fantasi dan kenyataan, dan kehidupan Tarravechia yang cerah mengilustrasikan ruang interiornya sendiri. Pendiri Dewar dan Katz keduanya tinggal di dekat ruang baru mereka, dan sebagian besar seniman yang bekerja dengan mereka juga tinggal di sekitar Williamsburg. “Kami senang menjadi bagian dari lingkungan tempat tinggal kami,” kata Dewar. “Kami benar-benar ingin fokus untuk menyediakan komunitas dan ruang bagi seniman kami, bukan hanya kolektor kami.” —Elaine Velie

Galeri Tchotchke (tchotchkegallery.com)

311 Graham Avenue, Williamsburg, Brooklyn

 

Works by Keiko Narahashi on view at Tappeto Volante in 2022 (courtesy the gallery)

Tappeto Volante

Kurator Italia Paola Gallio membuka Tappeto Volante Projects pada Mei 2022 setelah pindah dari Lower East Side, tempat dia ikut mengelola Ruang Pertemuan galeri feminis. Sebuah produk dari era pandemi, ruang proyek baru Gallio di 13th Street memadukan pameran dan studio, menampung seniman lokal bergilir, banyak di antaranya berkontribusi pada survei tahunan mereka, La Banda. “Tappeto volante” berarti “karpet terbang” dalam bahasa Italia, dan galeri bersandar pada fantasi dan konseptual dalam eksplorasi identitas kolektifnya, termasuk metafisika perendaman dan mimpi kreatif. Karena itu, Gallio mendengarkan kecenderungan luhur dan sering berpindah-pindah dari banyak komunitas seni New York. On view now adalah presentasi solo karya seniman multidisiplin Sig Olson, yang dikuratori oleh Ksenia M. Soboleva hingga 22 Januari. — Billy Anania

Tappeto Volante (tvprojectspaceship.com)

126 13th Street, Gowanus, Brooklyn

 

 

View of works by Debbi Kenote, Christopher Daharsh, Abelardo Cruz Santiago, and Matt Logsdon at Field of Play in 2022 (photo by Masaki Hori; courtesy Field of Play)

Field of Play Gallery

Artis Park Slope, Matthew Logsdon, mengubah ruang depan ruang Gowanus Creative Studios miliknya pada Oktober 2022 untuk membuat galeri barunya, Field of Play. Dengan Astroturf melapisi lantai, “bidang” ini – atau “kubus hijau”, jika Anda mau – bertujuan untuk menjembatani kesenjangan antara seni dan olahraga, yang mencerminkan latar belakang profesional Logsdon sebagai pelatih pribadi. Dalam ruang kecil, Logsdon dan seniman yang dia tunjukkan membahas masalah yang lebih besar seputar makna maskulinitas dan kekuasaan, sering kali menghubungkan karya yang dipamerkan dengan latihan tertentu. Sambil menyambut anggota komunitas pada resepsi pembukaan, Field of Play juga menyelenggarakan semua pamerannya secara online untuk meningkatkan aksesibilitas. — BA

Field of Play Gallery (instagram.com/fieldofplaygallery)

56 2nd Avenue, Gowanus, Brooklyn

 

 

Installation view of All Mine, You Have to Be at Tutu Gallery in 2020, with works by Rhea In and Kelsey Tynik (photo by April Yueyi Zhu; courtesy Tutu Gallery)

Tutu Gallery

Di ruang tamu apartemen Bed-Stuy miliknya, April Zhu telah menciptakan ruang galeri intim bernama Tutu (yang juga merupakan nama kucingnya), menutupi hampir setiap inci dinding dan ruang langit-langit dengan karya seni. Dia memberi tahu Hyperallergic bahwa saat kuliah di Pennsylvania, dia melakukan improvisasi pameran di ruang bawah tanah dan bangunan tempat tinggal. “Begitulah cara saya merasa paling nyaman dengan seni,” kata Zhu. Setelah dia pindah ke New York City, Zhu ingin menciptakan kembali komunitas informal dan erat yang dia alami selama masa kuliahnya, jadi dia memutuskan untuk mengolahnya langsung di ruang tamunya. Saat ini, dia berfokus pada seniman internasional dan menggunakan Tutu untuk membantu mereka masuk ke kancah seni New York. — EV

Tutu Gallery (tutugallery.art)

Willoughby dan Stuyvesant Avenue, Bed-Stuy, Brooklyn

 

 

Josephine Sundari Devanbu’s works at Kaje

Kaje

Sebuah kereta bermotor berjalan di sepanjang jalan berkelok-kelok di tengah ruang Kaje, di samping etalase yang menampilkan benda-benda replika yang terbuat dari batang sabun Dial tua – digambarkan oleh seniman kontributor Josephine Sundari Devanbu sebagai “the everyman’s marble.” Intervensi kamp tinggi ini saat ini dapat dilihat di ruang Gowanus dari organisasi nirlaba, yang akan meresmikan pos dua lantai barunya pada November 2021. Pameran berjudul Just About in the Round, dikuratori oleh Elizaveta Shneyderman dan juga akan menampilkan karya-karya oleh Nikolaus. Cueva, Gregory Kalliche, Ignas Krunglevicius dan Huidi Xiang, dalam tampilan hingga 12 Februari. Memburamkan batas antara ekspresi kreatif, iklan, dan konsumsi, Kaje menghadirkan seni dan efemera ke setiap sudut, mulai dari layar video kecil yang dipasang di dinding hingga balok beton acak yang menonjol keluar dari tanah. Mereka dengan cerdik menutupi di mana seni dimulai dan diakhiri dengan huruf kapital A. – BA

Galeri Kaje (kaje.dunia)

74 15th Street, Gowanus, Brooklyn

 

 

“B” Dry Goods

The Masks We Wear at “B” Dry Goods Gallery

Pada bulan Desember, Gabe Boyers membuka galeri “B” Dry Goods miliknya di blok Crown Heights yang sama tempat keluarganya menjalankan bisnis dari tahun 1920-1969. Latar belakang Boyer dan “Back of the House Business” -nya adalah buku dan manuskrip langka, tetapi dipameran saat  ini, The Masks Wear, menampilkan media dari lukisan hingga patung. Pameran yang berlangsung hingga 23 Februari ini memiliki nuansa pameran museum yang dikurasi dengan ahli. Beberapa karya dibuat oleh seniman yang masih hidup, beberapa berusia ratusan tahun, tetapi semuanya menampilkan orang yang memakai pelindung wajah. Boyers mengatakan idenya dimulai dengan topeng pandemi COVID-19. “Ini adalah fitur dari keberadaan kami bahwa kami saling memandang dan tidak melihat gambaran besarnya,” kata Boyers. “Dan bagaimana itu mengubah cara Anda melihat orang dan cara Anda memandang dunia dan mengetahui bahwa itulah cara orang melihat Anda.” – EV

“B” Dry Goods (bdrygoods.com)

679 Franklin Avenue, Crown Heights, Brooklyn

 

 

Footnote Project Space in Gowanus showing works by Karen Mainenti and JoAnne McFarland

Footnote Project Space

Terletak di lantai pertama sebuah gedung milik seniman di Union Street — yang, menurut pendirinya Sasha Chavchavadze, telah membantu membuka pintunya sejak Oktober 2021 — Footnote Project Space mendasarkan programnya dalam ingatan, narasi yang terlupakan, dan karya wanita -identifikasi seniman. Lukisan dan instalasi dari sesama penyewa gedung, seniman yang dipenjara, dan kolektif feminis lokal mengatasi stereotip mode, budaya industri Gowanus, dan ikon diaspora Afrika Brooklyn yang kurang dikenal, di antara banyak subjek lainnya. Disajikan sebagai rangkaian pameran dan instalasi yang berkelanjutan, organisasi ini mengangkat hal-hal yang terlalu sering diturunkan ke “catatan kaki” sejarah. Footnote juga berkolaborasi dengan Artpoetica, ruang proyek lain, dijalankan oleh seniman dan kurator JoAnne McFarland di gedung yang sama. — BA

Ruang Proyek Catatan Kaki (footnoteproject.org)

543 Union Street, #1F, Gowanus, Brooklyn

It’s Pablomonium! A Bonanza of Major Picasso Shows Will Hit Dozens of Museums in 2023 to Mark 50 Years Since the Artist’s Passing

/in /by

Institusi mulai dari Centre Pompidou hingga Mint Museum di North Carolina berpartisipasi.

Vittoria Benzine, 12 September 2022

Pablo Picasso di studionya di Paris. Foto: Bettmann / Kontributor, milik Getty Images.

 

 

8 April 2023, akan menandai peringatan 50 tahun kematian Pablo Picasso, dan untuk merayakan warisan seniman yang tak tertandingi, museum di seluruh dunia mengadakan pertunjukan besar-besaran.

Sebuah komisi yang diselenggarakan oleh pemerintah Prancis dan Spanyol telah mengoordinasikan 42 pameran di lembaga-lembaga top Eropa dan Amerika, dari Centre Pompidou hingga Museum Mint di Carolina Utara, semuanya di bawah bendera “Perayaan Picasso 1973-2023”.

Upaya tersebut “bertujuan untuk menyoroti karier seorang seniman Eropa yang pada dasarnya, dengan pengetahuan mendalam tentang warisan dan prinsip-prinsip tradisi, serta pemahaman tentang klasisisme sebagai nilai etis dan isu-isu modern dalam seni, telah diproyeksikan ke seluruh dunia. simbol universal dunia,” bunyi pernyataan dari komisi.

Menteri kebudayaan dari Prancis dan Spanyol keduanya muncul di depan lukisan Picasso Guernica di Museum Reina Sofía Madrid hari ini untuk konferensi pers untuk memulai perayaan (meskipun pameran pertama, di Kunstmuseum Basel, dibuka Juni lalu).

Fundación Mapfre akan membuka pertunjukan berikutnya, di Madrid, pada 23 September 2022. Secara total, perayaan tersebut akan mencakup 16 pameran di Spanyol, 12 di Prancis, tujuh di AS, dan tujuh lainnya antara Jerman, Swiss, Monako, Rumania, dan Belgia. Pesta akan diadakan di sisi Atlantik ini pada tanggal 20 Oktober 2022, saat Museum Seni Metropolitan membuka “Cubisme et la tradition du trompe-l’œil”.

 

The Met juga akan menjadi tuan rumah acara Picasso kedua berjudul “Les peintures pour Hamilton Easter Field”, dibuka satu tahun dari hari ini.

 

Guernica

The tapestry of Pablo Picasso’s Guernica rehung outside the United Nations Security Council Chamber. Courtesy of the United Nations.

 

Banyak pertunjukan akan menampilkan penyelaman mendalam ke aspek karir Picasso yang terlupakan, mulai dari teknik hingga narasi pribadi. Pertunjukan pertama The Met, misalnya, “akan menawarkan pandangan baru yang radikal tentang Kubisme dengan menunjukkan keterlibatannya dengan tradisi kuno lukisan trompe l’oeil.”

Guggenheim akan membuka “Young Picasso in Paris” pada 12 Mei 2023, berpusat di sekitar Le Moulin de la Galette karya Picasso. Ini akan mengeksplorasi transformasi yang dipicu oleh ziarah pertama Picasso di Paris sambil mendemonstrasikan “latihan cerdas dalam studi karakter”, kata sebuah pernyataan.

Orang lain akan membawa praktik Picasso ke zaman sekarang, bahkan menantang warisannya dalam konteks budaya saat ini. Pada bulan Juni 2023, Museum Brooklyn akan membuka pertunjukan yang dikuratori oleh komedian Australia Hannah Gadsby bersama Lisa Small dan Catherine Morris yang menampilkan “evaluasi ulang praktik dan penerimaan Picasso melalui lensa feminis”.

Setiap institusi yang berpartisipasi dalam “Picasso Celebration” akan mendistribusikan “kapsul” video untuk setiap pameran, yang disiarkan dalam bahasa Prancis, Spanyol, dan Inggris. Tahun depan juga akan melihat pembukaan Pusat Studi Picasso baru di Musée National Picasso-Paris, menggunakan arsip institusi untuk membuat pusat penelitian, portal digital, dan “ruang istimewa untuk pertukaran ilmiah dan karya peneliti dari seluruh dunia. Dunia.”

Artefak Anomalien, Sebuah Arketipe

/in , /by

Artefak Anomalien, Sebuah Arketip

 

 

Topik yang paling sexy dalam studi ufologi adalah alien purba atau ancient aliens. Kunjungan makhluk dari dunia lain ke planet Bumi yang terjadi di masa lalu dan melakukan interaksi dengan peradaban manusia waktu itu. Jejak-jejak itu sebagian masih bisa kita amati saat ini melalui peninggalan artefak yang tersebar di berbagai penjuru bumi, terutama di pedalaman. Memang, dalam kurun waktu ribuan tahun, jika suatu tempat ditinggalkan oleh manusia, maka alam akan kembali menjadi penguasanya.

Anciet Giant

Anciet Giant

Ketika peneliti arkeologi dan antropologi modern melakukan risetnya, sering menjumpai hal-hal yang sulit untuk dijelaskan atau bersifat anomali. Tentu banyak upaya dilakukan untuk mencari penjelasan dari artefak anomali ini. Erich von Daniken, salah seorang pakar ancient astronaut, membangun sebuah teori tentang adanya kunjungan makhluk dari luar bumi di zaman nenek moyang kita. Teorinya memang kontroversial, namun tetap menimbulkan rasa penasaran dan ingin tahu lebih lanjut.

Pameran Tunggal

The Extinctions

Apa yang divisualkan oleh Faisal Amir dalam karya-karyanya yang ditampilkan di pameran Anomalien ini, bagi saya yang menekuni bidang UFO dan alien sejak tahun 70an, bukan sekedar fiksi atau fantasi. Artefak-artefak serupa memang telah ditemukan meski masih banyak perdebatan tentang hal itu. Menurut saya itu adalah hal biasa di kalangan akademisi.

Kalau kita pernah mengikut tayangan serial History Channel mengenai Ancient Aliens, apa yang disampaikan oleh mas Faisal, menunjukkan bahwa kesadaran kolektif kita, merupakan arketipe kita. Ini menunjukkan bahwa hal tersebut bukan merupakan sesuatu yang asing. Mungkin kita telah melupakan karena terpendam di alam bawah sadar, namun sejatinya di masa lalu, sangat mungkin telah terjadi interaksi sosial antara nenek moyang dengan pengunjung dari dunia lain yang terekam dalam lukisan dinding di gua-gua atau diabadikan dalam bentuk patung-latung dengan media sesuai zamannya. Maka tak heran, jika kita menjumpai banyak artefak yang aneh, dianggap anomali, namun ketika melihatnya, sepertinya hal itu akrab dengan kesadaran kita.

Teori ancient aliens sendiri makin berkembang dengan makin banyak peneliti dan pemikir, seperti Zecharia Sitchin, Robert Bauval, Graham Hancock, Robert Temple, Giorgio Tsoukalos dan masih banyak lainnya. Ada yang mengkhususkan diri dalam bidang penyelidikan piramid kuno, peradaban masa lalu yang hilang, koneksi para tetua dan shaman dengan entitas dari dunia lain, hingga ekspedisi reruntuhan bangunan kuno di pedalaman.

Yang menarik di sini, peninggalan yang bisa kita temukan, sepertinya tak jauh berbeda dengan fenomena alien yang ada saat ini. Faktor budaya daerah masing-masing pasti berpengaruh sebab kita dibentuk secara konstruksi sosial. Namun satu hal yang kita sadari, banyak penemuan artefak purba yang sangat unik dan sulit untuk dijelaskan. Belum lagi ada juga temuan benda-benda yang tidak sesuai dengan jamannya, misalnya ditemukan sebuah pegas di dalam sedimen batuan yang umurnya jutaan tahun. Semua ini merupakan anomali, dan apa yang ditampilkan mas Faisal melalui karya seninya, semoga memberikan awareness dan menggugah atau membangunkan arketipe para penikmatnya.

 

Surabaya, 1 November 2022

Nur Agustinus

Co-Founder BETA-UFO Indonesia

Penulis dan Peneliti Ufologi

KONVERGENSI: PASCA-TRADISIONALISME

/in /by

KONVERGENSI: PASCA-TRADISIONALISME

Oleh Suwarno Wisetrotomo

Jagad pemikiran, pengkajian, praktik (penciptaan),
dan percakapan seni rupa semakin padat, riuh,
penuh lintasan, pengulangan, terobosan, tegangan,
dan berlapis kepentingan. Mereka yang terlibat di
dalamnya terus memasuki ruang-ruang pergulatan,
penjelajahan, bersinggungan dan beririsan dengan
berbagai aspek; sosial, politik, ekonomi, keamanan,
intoleransi, kekerasan, ketidakadilan, hukum, lingkungan, perubahan iklim, dan sejenisnya, termasuk yang
terkait dengan luka-luka serta trauma sejarah masa
lalu. Kompleksitas persoalan itu juga beriringan dengan
laju perkembangan teknologi dengan fitur-fitur yang
semakin sempurna yang mengisyaratkan kecepatan.
Pendidikan tinggi seni—di dalamnya termasuk
bidang seni rupa, yang secara umum memasuki tradisi
akademik lebih awal dibandingkan dengan bidang
seni yang lain—semestinya berada dalam gelanggang
penuh kecamuk itu, memainkan peran dengan segala
risiko dan keterbatasannya. Karena itu menjadi niscaya
untuk terlibat, baik dalam aspek produksi pengeta huan, praktik seni, mediasi seni, dan tata kelola seni.
Institusi pendidikan (tinggi) seni di tengah gelombang
pasang perubahan, selayaknya trengginas merespons
dengan beragam cara; mengevaluasi kurikulum, mata
kuliah, tata kelola, meninjau dengan seksama fasilitas,
membangun jejaring baik dengan institusi, komunitas,
maupun individu; dan menimbang dengan cermat
sumber daya tenaga pengajar disertai aparatus birokrasi
kampus (para dosen yang memilih tugas tambahan
sebagai pejabat dan tenaga kependidikan) yang kom patibel dengan gerak zaman.
Meski ikhwal “terlibat” itu masih harus dilihat dengan
KONVERGENSI: PASCA-TRADISIONALISME
Oleh Suwarno Wisetrotomo
seksama dengan prinsip kehati-hatian, realitas lapangan
dapat dicermati, bahwa yang meramaikan gelanggang
pemikiran, penciptaan seni, dalam berbagai lapisan,
sebagian besar adalah para mahasiswa atau alumni
(lulusan atau jebolan) institusi pendidikan tinggi seni.
Mereka bermain dan memainkan ide-ide serta karya
seni dengan beragam pendekatan, dan memunculkan
percakapan yang riuh di antara publik seni, bahkan tak
jarang merembet ke persoalan sosial, ekonomi, politik,
dan budaya.
Contoh terbaru adalah bagaimana institusi kolektif
ruangrupa (Ade Darmawan dan kawan-kawan), yang
terpilih sebagai direktur artistik Documenta 15 (ber langsung di Kassel, Jerman, selama 100 hari, dari 18
Juni sampai 25 September 2022). Perhelatan seni
kontemporer terpenting (setelah Venice Biennale),
yang menimbulkan kegaduhan percakapan dan reaksi
publik berdimensi politik. Mengusung tema “Lumbung”
sebagai konsep kerja yang menarik, namun dalam per cakapan dan polemik, seperti tenggelam oleh reaksi
politisnya. Apa pun akibatnya dari percakapan itu, saya
memandang ruangrupa ‘berhasil’—entah disadari,
diduga, atau tidak—menciptakan dampak politik
(political impact) seni atau kebudayaan di level interna sional.
Namun jauh sebelumnya, sejumlah peristiwa
seni rupa di ruang-ruang internasional mendapat kan beragam respon. Menyebut beberapa contoh
misalnya; Pameran Kebudayaan Indonesia di Amerika
Serikat (KIAS, berlangsung pada 18 Oktober 1990-23
Maret 1992); yang menuai kontroversi di dalam negeri
terkait pilihan seniman, dan respons ‘setengah hati’
11
dari publik seni Amerika Serikat, merupakan peristiwa
penting yang didukung oleh pemerintah Orde Baru,
dan layak dicatat dalam sejarah, terkait pencapaian ke berhasilan membuat peristiwa seni dengan menjemput
publik dunia khususnya Amerika Serikat.¹ Kemudian
pada 1995 pemerintah Orde Baru melalui Direktorat
Jenderal Kebudayaan (saat itu Prof. Dr. Edi Sedyawati
sebagai Direktur Jenderal) juga menginisiasi Pameran
Contemporary Art of the Non-Aligned Countries –
Unity in Diversity in International Art di Jakarta, yang
menyuarakan percakapan menarik tentang kekuatan
poros (negara) Selatan untuk membangun posisi tawar
terhadap perspektif Utara-Barat.²
Pada kasus personal dapat disebutkan beberapa
contoh misalnya, tahun 1996, sebuah pameran di
Lisson Gallery, London, karya Heri Dono (l. 1960)
ditolak (dan diturunkan) oleh Kedutaan Besar Republik
Indonesia di London karena karya yang dimaksud
dianggap membawa pesan politik lokal (Indonesia).
Akibatnya, Heri Dono harus menjalani interogasi dan
terpaksa setuju dengan keputusan itu, menimbang
bahwa ia masih harus mengikuti sejumlah pameran
di sejumlah negara. Dapat dibayangkan, bagaimana
pada suatu penggal waktu, intervensi politik kekuasaan
dapat memasuki wilayah seni sedemikian rupa. Begitu
pun sebaliknya, atau setidaknya saling memanfaatkan.
Entang Wiharso (l. 1967), penerima Guggenheim Fel lowship 2019; projek pameran A Thousand Kilometers
di York College of Pennsylvania, Amerika Serikat 2021;
pameran When the Skies are Falling, di Asia Center,
Harvard University, 2022; dan yang terbaru, pameran
Double Horizon di Srisasanti Gallery, Yogyakarta,
2022; dan sejumlah projek seni serta pameran penting
lainnya, menunjukkan luasnya penjelajahan ide, topik,
media, pesan yang bersilangan, yang bertolak dari pen galaman berinteraksi dengan sejumlah tegangan sosial
baik di Indonesia maupun di Amerika Serikat. Pesan itu
secara metaforis disuarakan di berbagai pameran yang
memancing publik seni untuk mendiskusikannya.
Demikian pun praktik seni oleh Tisna Sanjaya
(l. 1958), berwatak multidisiplin dan lintas bidang,
misalnya; Projek Seni Installation of Growth (1996)
dalam bentuk aksi menanam pohon melinjo (gnetum
gnemon) di sejumlah kampung di Bandung, sejumlah
kampung di Solo dan Surabaya; Projek Seni Cigonde wah yang ‘menyulap’ lahan buangan sampah menjadi
arena pusat kegiatan warga untuk seni dan pengola han sampah; Projek Air Seni yang melibatkan teknokrat
untuk menyuling air sungai menjadi layak minum; mengi nisiasi penyelamatan ruang hijau Babakan Siliwangi
dan revitalisasi bangunan heritage bekas bioskop Dian,
semuanya di Bandung. Tentu saja Tisna tetap berkarya
grafis dan melukis.
Contoh berikutnya adalah Moelyono (l. 1957)
dengan sejumlah projek seni yang berdaya mengger akkan, misalnya; Projek Seni Rupa Penyadaran, masuk
ke jantung persoalan, menerobos sekaligus berkolab orasi dengan berbagai disiplin, untuk menggerakkan
partisipan dari dalam. Hasilnya memiliki matra multidi mensional dan multi fungsional utamanya bagi partisi pan, yang pada umumnya orang-orang biasa seperti
nelayan miskin, komunitas kesenian kampung (misalnya
Ludruk). Moelyono juga ‘menggerakkan’ para penyan dang disabilitas melalui aktivitas Para Rupa, dengan me numbuhkan kesadaran, kehadiran (eksistensi; merasa
ada dan berguna) melalui praktik seni rupa. Lapisan so sial-masyarakat yang disentuh Moelyono nyata adanya
dan di mana-mana. Memotivasi bahwa mereka ada dan
berguna merupakan pencapaian yang indah melampaui
eksistensi seni itu sendiri. Ia meyakini bahwa, “seni rupa
penyadaran mendasarkan dirinya dengan menduduk kan rakyat sebagai subjek, sebagai pencipta kebu dayaan, bukan sebagai konsumen kebudayaan yang
bersifat pasif. Sebagai pencipta kebudayaan, rakyat
mempunyai potensi dan hak guna menguasai seni rupa
sebagai media dialog”.3 Aktivitasnya bertumpu pada
kesadaran untuk menenggelamkan diri pada anonim itas; ia ada di belakang panggung sebagai motivator,
inspirator, sekaligus penggerak. Tentu saja Moelyono
tetap berkarya mandiri, melukis, dengan tema-tema
¹ Persoalan ini saya bahas cukup rinci dalam Suwarno Wisetrotomo (2021), Kuasa Rupa – Kuasa Negara: Kurator Di Antara Tegangan
Pasar dan Kekuasaan, Yogyakarta: Penerbit Buku Baik.
² Ibid, khususnya hlm. 102-111.
3 Moelyono (1997), Seni Rupa Penyadaran, Yogyakarta: Bentang Budaya, hlm. 44.
12
manusia-manusia biasa di sekitarnya.
Contoh nama dan aktivitasnya masih dapat
ditambah berderet-deret. Mereka tercatat sebagai
alumni institusi pendidikan tinggi seni yang mampu
menerobos berbagai batas(an) seni rupa, dan men gapitalisasinya menjadi pencapaian bentuk, presentasi,
dan wacana yang pantas dipertarungkan di berbagai
forum, termasuk forum internasional. Sementara kita
semua tahu, mereka, sejumlah nama yang disebut
sebagai contoh tadi, menyelesaikan (atau setidaknya
menempuh) pendidikan tinggi seni (rupa) di Indonesia
yang format kurikulum, metode pembelajaran, dan
fasilitas, tergolong lama serta terasa lamban menyesuai kan diri dengan arus besar perubahan. Kita semua
maklum, bahwa investasi pemerintah untuk pendidikan
– terlebih pendidikan tinggi seni—masih jauh dari ideal.
Dunia pendidikan tinggi seni hari ini (dan ke
depan), sangat penting menyadari posisinya, agar
berani melakukan terobosan dalam banyak hal,
dengan dukungan data dan manajemen informasi
yang memadai. Sivitas akademika yang didukung oleh
aparatur birokrasi kampus (jajaran pemimpin di seluruh
lapisan) harus terus-menerus berada dalam kesadaran
perubahan dan pergeseran; agar berani melakukan
terobosan dalam berbagai keputusan atau kebijakan
strategis.4
Keberanian untuk memimpin yang berada
dan membawa arah selaras dalam semangat konver gensi. Jika pemimpin hanya “main aman”, dipastikan
institusi yang dipimpinnya menjadi melempem, jalan di
tempat di bawah bayang-bayang sejarah masa lampau,
sambil gamang menjemput masa depan.
Menjelang seratus tahun usia negeri ini (pada 2022,
usia Republik Indonesia 77 tahun, atau 23 tahun lagi
menuju usia seabad), kondisi “dalam” di institusi pen didikan tinggi seni (negeri/PTN) di Indonesia masih
belum banyak bergeser (sekali lagi mari kita lihat in dikatornya; kurikulum, fasilitas, metode pembelajaran,
arsip, dan tata kelolanya; tentu dengan sejumlah perke cualian terobosan beberapa dosen muda dalam format
“merdeka belajar-kampus merdeka” dalam berbagai
aspek dan eksperimen). Lalu dari mana mereka
mendapatkan pengetahuan, semangat, dan perspek tif kritis untuk melakukan terobosan ide, praktik seni,
dan kemampuan mengartikulasikannya ke ruang-ruang
yang lebih luas (sebutlah: internasional) itu?
Jawaban paling dasar adalah, bahwa gairah dan
kreativitas penciptaan seni mendorong siapa pun
untuk melakukan penjelajahan. Seorang seniman pada
dasarnya menjadikan dirinya sebagai laboratorium untuk
menjajal dan menguji banyak hal, demi menemukan,
mewujudkan, dan kemudian meruntuhkannya, untuk
kembali melakukan dengan metode yang kurang lebih
sama, demi mendapatkan kebaruan. Ikhwal kecer dasan sosial; sebutlah kefasihan mengartikulasikan dan
kelincahan mempertukarkan modal (sosial, ekonomi,
budaya, dan simbolik) untuk digunakan sebagai bekal
kontestasi atau kompetisi di gelanggang kesenian,
salah satunya dapat diperoleh melalui pergaulan-inter aksi dengan banyak pihak.
Konvergensi Sebagai Keniscayaan
Dalam kajian budaya, konvergensi dimaksudkan
sebagai penggabungan sesuatu yang tadinya ber beda-beda, utamanya dalam konteks industri komu nikasi dan teknologi yang menyertainya. Digitalisasi
merupakan contoh nyata. Dampak teknologi digital
kini mengubah banyak hal, antara lain penjelajahan,
transmedia, volume, jarak, waktu, dan lain-lainnya.
Meringkus keluasan, kompleksitas persoalan, melim pahnya data, algoritma, dengan fitur-fitur yang mengis yaratkan gerak cepat. Inilah era, meminjam teori Paul
Virilio, disebut sebagai dromologi; kecepatan untuk
menikmati dan memperoleh informasi adalah sega la-galanya. Telisik lebih jauh terkait dromologi, seperti
dirisalahkan Heru Nugroho, bahwa, “Masyarakat telah
dibawa masuk ke dalam sebuah ruang yang dapat
bergerak sangat cepat yang dinamakan dromospheric
space atau ruang kecepatan”.5
4 Suwarno Wisetrotomo (2020), Ombak Perubahan – Problem Sekitar Fungsi Seni dan Kritik Kebudayaan, Yogyakarta: Penerbit Nyala, hlm. 35. 5 Lihat Heru Nugroho, “Dromologi, Dromokrasi, dan Kontrol: Politik Kecepatan Menurut Paul Virilio” dalam Wening Udasmoro [Editor] (2020),
Gerak Kuasa – Politik Wacana, Identitas, dan Ruang/Waktu dalam Bingkai Kajian Budaya dan Media, Jakarta: Kepustakaan Populer Gramedia, hlm.
242.
13
Memburu cepat akan beriringan dengan risiko-risiko
yang tidak sederhana, karena, dalam konteks masyar akat pascamodern, kecepatan menjadi faktor deter minan dalam kehidupan sosial.6
Dalam pemikiran dan
praktik seni, kecepatan ini akan beririsan (sekaligus ber hadapan) dengan masalah kedalaman (rasa), sublimasi,
metafora, atau pilihan-pilihan bentuk yang tepat atau
luput, yang efektif memanggul pesan atau yang mem buyarkan, yang menyentuh jiwa atau yang memasygul kan, dan lain sebagainya.
Teknologi mutakhir dalam seni seperti digital
misalnya, memunculkan gejala yang menumbuhkan
pengalaman baru dalam hal ‘melihat’ dan ‘merasakan’
karya seni—setidaknya selama pandemi Covid-19
dengan variannya—yang dampak dan ikutannya terasa
sampai hari ini. Akibat digitalisasi seni (ekspresi dengan
pendekatan dan media digital; mendigitalkan bentuk
seni konvensional; hingga pasar digital, serba virtual),
maka terjadi pergeseran dalam banyak aspek. Pasar
dengan wahana (platform) digital seperti Non Fungible
Token (NFT), suatu aset digital yang mewakili objek
nyata seperti karya seni visual, musik, game, video, dan
sejenisnya yang diperdagangkan secara daring (online).
Ikhwal teknologi NFT, Sudjud Dartanto dalam esai
pendeknya memaparkan dengan baik tiga fenomena
terkait relasi seni dan rantai blok (blockchain), yakni;
Pertama, banyak pengembangan proyek seni yang
berbasis sistem kriptografis. Kedua, terjadi adaptasi
kreator seni dalam mengubah bentuk komunikasi,
presentasi, dan interaksi karya seni dalam ruang NFT.
Ketiga, muncul berbagai jenis konsumer, dari para
pemirsa karya seni kripto hingga kolektornya.7
Setiap
perkembangan dan perubahan akan berhadapan
dengan risiko, yang Sebagian tak dapat diduga.
Teknologi terus mewujudkan imajinasi. Kini
kita mulai berkenalan dan bergaul dengan realitas
metaverse, dunia virtual yang paralel dengan dunia
nyata. Metaverse, demikian dijelaskan Rico Usthavia
Frans, merupakan evolusi cara kita mengonsum si internet.8
Dalam dunia metaverse, demikian Frans,
aset-aset seperti tanah, rumah, mobil, dan benda-ben da lain, termasuk mata uang, akan berbentuk digital.9
Tantangan baru terus akan bermunculan. Tetapi seperti
kata Sudjud, teknologi tidak pernah mundur, ia akan
terus mengevaluasi dirinya di tengah berbagai kekuran gannya.10
Apakah konvergensi dalam konteks pameran ini
hanya yang terkait dengan teknologi mutakhir? Tentu
saja tidak. Konvergensi juga dapat dilihat dari upaya
seniman atau komunitas melakukan penjelajahan
gagasan, material, dan pendekatan presentasinya.
Praktik seni seperti yang dilakukan oleh Entang Wiharso,
Heri Dono, Moelyono, atau Tisna Sanjaya, kemudian
dapat ditambahkan seperti Nindityo Adi Purnomo,
Nasirun, Ichwan Noor, Yuli Prayitno, Eko Nugroho, Diah
Yulianti, Ayu Arista Murti, Loli Rusman, kawan-kawan
Mes 56, dan institusi kolektif lainnya, menunjukkan
dengan jelas, bagaimana persilangan, penjelajahan,
dilakukan untuk menemukan makna, nilai, dan fungsi
yang baru.
Yogyakarta (atau Bandung) yang dalam gelanggang
seni rupa berada dalam level kosmopolitan, mendorong
nama-nama seperti yang sudah disebut tadi memiliki
keberanian menerobos pergaulan internasional; entah
tinggal ulang alik (seperti Entang Wiharso, Nindityo
Adi Purnomo), atau pengalaman dari masa studi lanjut
seperti Tisna Sanjaya, atau aktivitas residensi sekaligus
mengikuti peristiwa-peristiwa seni rupa (Heri Dono,
Moelyono, Nasirun, Eko Nugroho, dan lainnya).
Dapat pula dilihat dari pameran ini, bagaimana la pis-lapis proses pencapaian itu seperti; bagaimana
melihat proses kreatif Nyoman Erawan, Made Djirna,
Agung Mangu Putra, Putu Sutawijaya, atau Nyoman
Masriadi terus bertumbuh dengan tantangan baru.
6 Ibid.
7
Sudjud Dartanto, “NFT: Seni, Simulakra, dan Kelangkaan Aset” dalam Kompas, Minggu, 3 Juli 2022, hlm. 9. 8
Rico Usthavia Frans, “Memprediksi Dampak “Metaverse”” dalam Kompas, Selasa, 12 Juli 2022, hlm. 1 dan 15. 9
Ibid, hlm. 15. Baca pula artikel Ignatius Haryanto, “NFT “Kompas” dan Masa Lalu Selalu Aktual” dalam Kompas, 12 Juli 2022, hlm. 6. Haryanto
mengurai, dengan teknologi NFT memungkinkan masa lalu kembali digali dan ditampilkan lagi. Lebih dari itu bahkan dapat menjadi ‘benda’ koleksi
dan diperjualbelikan. 10 Sudjud Dartanto, Op.Cit, hlm. 9.
14
Deretan nama ini adalah generasi ‘perupa Bali’ yang
memiliki pengalaman dan tantangan baru; lahir dan
tumbuh di Bali, kemudian melanjutkan kuliah di Yo gyakarta. Modal tradisi Bali yang kuat “didialogkan”
bahkan mungkin “dibenturkan” dengan tradisi baru di
Yogyakarta, sampai akhirnya menemukan cara dan
bentuk pengucapan (ekspresi) yang baru atau berbeda
dari akar tradisi miliknya. Kemudian mereka menetap di
Bali maupun di Yogyakarta. Akan berbeda jika melihat
generasi seperti Wayan Karja, Nyoman Sujana (Suklu)
yang lahir dan tumbuh di Bali, mendialogkan tradisi baru
melalui berbagai forum pertemuan (terkecuali Wayan
Karja yang ‘membenturkan’ diri dalam kultur Amerika
Serikat ketika menempuh studi lanjut).
Pengalaman yang ‘menantang’ dan ‘menggang gu’ dalam interaksi pada karya seni terkait struktur,
bentuk, warna, tekstur, gerak, aroma, cahaya, dan se jenisnya pasca-auratik, yang menyodorkan tantangan
baru bagi publik seni. Konvergensi juga memunculkan
pilihan-pilihan baru dalam hal pengembangan diri di
dunia kesenian/seni rupa, misalnya persilangan atau
menjamah beragam profesi dan ketrampilan, misalnya;
perupa sekaligus manajer; sekaligus kurator; sekaligus
produser; sekaligus distributor; sekaligus penggerak
dan aktivisme, dan lain -lain. Kesemuanya dilakukan
dalam persilangan, pertukaran (posisi), dan perlintasan.
Konvergensi: Refleksi Kritis, dan
Dialektika
Pendidikan tinggi seni rupa (di) Indonesia, dihitung
sejak diresmikannya ASRI pada 15 Januari 1950 sebagai
institut disiplin seni, pada tahun 2022 memasuki usia 72
tahun. FSRD ITB lahir pada 1947, tetapi menjadi bagian
dari Institut Teknologi Bandung. Dilihat dari pembidan gan, pengelompokan jurusan, kurikulum, tata kelola,
dan lainnya, seperti sudah diurai pada bagian awal
catatan ini, nyaris tidak mengalami perubahan yang
signifikan sejak dilahirkan, jika dibandingkan dengan
percepatan pemikiran dan praktik seni di masyarakat
yang mengalami perlintasan disiplin serta pergeseran,
baik dalam aspek wacana, penciptaan seni, maupun
tata kelola seni.
Sejak ASRI (1950) hingga Fakultas Seni Rupa ISI
Yogyakarta, pembidangan disiplin tak bergeser: seni
murni (lukis, patung, grafis), desain (interior, komunikasi
visual, produk), dan kriya (kayu, batik, logam, keramik).
Sementara di gelanggang pemikiran dan penciptaan
seni, batas-batas itu sudah cair, meleleh, lalu diterobos,
ditumbangkan, bergumul pada satu ruang “seni visual”
yang memungkinkan mengakomodasi beragam gejala
visual.
Namun demikian, fakta menarik bahwa alumni ASRI
hingga FSR ISI Yogyakarta—termasuk alumni FSRD
ISI Denpasar, FSRD ISI Padang Panjang, FSRD ITB
Bandung, FSRD IKJ, seperti sudah disebutkan pada
bagian awal catatan ini—mampu beradaptasi dengan
jagad pemikiran dan penciptaan seni, memproduksi
wacana-wacana mutakhir, serta melakukan penjelaja han ide, media, bentuk untuk karya-karyanya. Mereka
tak lagi terikat oleh pilihan disiplinnya, tetapi mengem bangkan diri dalam beragam kemungkinan.
Pada ranah ini melihat dari dekat situasi proses
belajar-mengajar di institusi pendidikan tinggi seni
dapat dijadikan bahan refleksi. Adakah upaya sistem atis menyiapkan pengajar dan fasilitas pembelajaran
yang terus-menerus mampu memperbarui diri? Atau
jangan-jangan yang terjadi adalah involusi pengeta huan dan pemikiran seni, yang berakibat pada proses
pembelajaran yang berisi “materi dan cara yang sudah
lampau” di tengah ‘dromoseni’ (kecepatan seni di
seluruh aspek?). Mungkin karena itu James Elkins
dengan sinis mengatakan, “instructors praise the
work of famous students as if they helped guide them
to their success. Still, there is very little evidence that
art schools have control over the production of really
interesting art”.
11 Pengajar mudah mengaku menjadi
bagian dari kesuksesan alumni, sementara kurang bukti
bahwa terdapat mekanisme kontrol terhadap proses
kreatif kesenian mereka. Proses belajar-mengajar di
kampus pasti ada gunanya. Akan tetapi beradaptasi
11 James Elkins (2001), Why Art Cannot Be Taught, Urban, Chicago, and Springfield: University of Illinois Press, hlm. 97.
15
dengan gerak zaman—baik bagi guru maupun murid—
tentu merupakan keniscayaan. Akan tetapi melakukan
pendakuan (claim; assertion) terhadap pencapaian
sukses bekas murid karena andil terbesar dalam proses
belajar-mengajar, tentu terlalu spekulatif, jika tidak boleh
disebut naif.
Menarik untuk diamati dengan seksama, konvergen si dalam dunia seni rupa – yang digunakan sebagai titik
pandang pameran ini—justru menghadirkan beragam
kemungkinan praktik dan karya seni rupa. Konvergen si dalam dunia seni rupa, seperti satu ruang di mana
berbagai kemungkinan terjadi. Dalam hal ini, konver gensi dapat merujuk pada medan seni atau ekosistem
jejaring seni rupa kontemporer global yang bisa terjadi
terutama karena teknologi digital yang memudahan
silang arus informasi.
Pada ranah itulah refleksi kritis perlu sungguh-sung guh dilakukan, yang muaranya akan terbiasa melakukan
autokritik. Mawas diri, disertai sikap rendah hati untuk
mengurai keberadaan diri, agar tumbuh kesadaran
kritis; apa yang kurang, yang belum, selambat atau
secepat apa respon yang harus dilakukan, dan lain-lain.
Seluruh sivitas akademika penting untuk menyusun
daftar pertanyaan untuk diri dan institusinya; bagaimana
sumber daya manusia (dosen, tenaga kependidikan),
rekrutmen mahasiswa, bagaimana meningkatkan kapa sitasnya, bagaimana investasi fasilitas harus dilakukan,
bagaimana tata kelola efektif dilakukan, bagaimana
membuat semua aspek, ruang, lini, potensi menjadi
semakin berdaya?
Jika terbiasa menerima kritik dan autokritik, maka
harapannya tumbuh atmosfer berdialektika, sebagai
keniscayaan makhluk akademik. Setiap orang dalam
posisinya masing-masing bersiap untuk melangsung kan percakapan, diskusi kritis, sebagai salah satu cara
meningkatkan kapasitas diri. Setiap individu di ling kungan pendidikan tinggi seni memiliki tanggungjawab
untuk memantaskan diri, dan memiliki keberanian
memasuki ruang-ruang pergaulan yang lebih luas. Jika
kapasitas diri bertumbuhan, maka atmosfir akademik
yang kritis dan kreatif dipastikan tumbuh secara sehat.
Perkembangan seni rupa kontemporer sangat me merlukan kapasitas intelektual yang mumpuni, agar
setiap kreator mampu mengartikulasikan dengan baik
gagasan dan kerja kreatifnya; agar kritikus dan kurator
memiliki ketajaman dalam memproduksi pengeta huan; agar dosen memiliki kapasitas dalam memantik
pemikiran kritis para mahasiswa; dan agar tercipta kar ya-karya seni rupa (desain, kriya) yang memiliki daya
pukau serta daya ganggu, dan pantas memasuki ruang ruang kompetisi serta kontestasi di berbagai forum.
Perspektif kritis, gairah menjelajah, dan lebih terlibat
pada realitas kehidupan, akan sangat membantu
membangun pemahaman terhadap pemikiran dan
praktik seni rupa kontemporer atau apapun.
Paradigma seni rupa kontemporer memiliki karakter
sulit untuk disusun dalam ketunggalan makna, se bagaimana dalam seni rupa modern yang berasaskan
pencarian esensi seni lukis (medium specificity dalam
seni rupa modern). Karena itu pluralitas menjadi kon sekuensi dari konvergensi dalam seni rupa kontem porer. Pluralitas dan keterbukaan paradigma seni rupa
kontemporer, bahkan membuka peluang bertemunya
berbagai unsur, metode, dan disiplin lain ke dalam seni
rupa kontemporer. Heterogenitas dalam ruang konver gensi tersebut bahkan menampung beragam ideologi
seni yang mungkin saling bertentangan. Salah satu
konsekuensi logis dari pluralitas adalah penerimaannya,
bahkan pada medium dan gagasan yang merupakan
turunan seni rupa modern, seperti seni lukis (juga
patung atau grafis). Namun, berbagai medium konven sional—yang sering dipertentangkan dengan medium
baru berbasis digital—perlu menyusun ulang urgensi
keberadaannya dalam konteks masa kini. Tentu tidak
ada satu jawaban yang paling tepat atau benar berkait
dengan urgensi tersebut. Setiap seniman memiliki
kebebasan dalam menerjemahkan kepentingan peng gunaan mediumnya dalam konteks budaya digital masa
kini.
Saat ini, kita hidup dalam masa modern yang
telah kehilangan keyakinan utopisnya mengenai masa
depan. Modernitas muncul dengan bayaran pupusnya
tradisi. Atau setidaknya, tradisi—sebutlah berbagai seni
16
tradisional, atau tradisi-tradisi dalam kehidupan dalam
wujud kearifan lokal—pelan-pelan (sebagian) menjadi
lapuk dan lampau. Modernitas dunia dibentuk sebagai
hasil dari hegemoni Barat sejak masa kolonisasi. Mod ernisasi tidak lain adalah westernization. Abad pencer ahan adalah abad keyakinan humanisme dengan
orientasi meninggalkan tradisi.
Sementara, pada sisi lain, bagi bangsa-bangsa non Barat, modernisasi selalu—atau masih—dibayangi dan
dibebani oleh tradisi. Bahkan, tak sekadar dibayangi
(alih-alih dibebani), tradisi seringkali justru diposisikan
sebagai modal kultural berdimensi sejarah masa lampau
yang eksotis untuk dijadikan titik pijak kreasi-kreasi
baru. Kritik pada Modernisme—yang juga dipengaruhi
oleh postmodernisme—sedikit banyak menghasilkan
tinjauan ulang pada gagasan tradisi.
Untuk kita di Indonesia, gagasan mengenai masyar akat pasca-tradisional menjadi hal penting, mengingat
gagasan “masyarakat modern Indonesia” pun masih
menjadi imajinasi yang belum tersusun—atau malah
telah dilupakan. Pada sisi lain “tradisi” seringkali sesung guhnya merupakan hal yang “baru” atau dikonstruksi kan ulang sebagai (menjadi) bagian (unsur) baru dalam
spirit modern maupun kontemporer. Dalam kaitan ini,
seniman pun hidup dalam “tradisi” keseniannya, dalam
segala bentuk kemungkinannya. Pada ranah inilah kon vergensi, seni kontemporer, dan pascatradisionalisme
menemukan pertautannya.
Dalam situasi semacam ini, semestinya pergula tan pemikiran—diskusi, bahkan perdebatan terkait
berbagai pandangan, wacana, kajian, dan praktik
seni—semakin sering dilakukan. Terasa sekali, hingga
hari ini, meminjam istilah Iwan Pranoto, api intelektu alisme belum menyala secara signifikan,12 terlebih di
dalam lingkungan pendidikan tinggi seni di Indonesia.
Pendidikan tinggi seni yang semula menitik beratkan
pada praktik (penciptaan) seni, memang tak mudah
membangun kultur akademik dan intelektualisme.
Seperti catatan Redaksi Basis (Oktober 1967) seperti
dikutip Pranoto, “Ketakutan yang berlebih-lebihan
terhadap intelektualisme akan membawa kita pada
emosionalisme dan verbalisme”.13 Suatu pernyataan
aktual hingga kini bahwa, emosionalisme dan verbal isme cenderung bertumpu pada sikap respons cepat
tanpa analisis, nir-kematangan pikiran, serta tanpa
pengendapan pemikiran. Demikian pun ekspresi seni
tanpa kematangan gagasan, pencarian bentuk yang
sungguh-sungguh, akan berakibat sama; bertumpu
pada kata-kata yang juga tak jelas, dan sangat mungkin
kosong.
Pameran “Konvergensi: Pasca-Tradisionalisme” ini
dirancang oleh tim kurator, terdiri atas: Suwarno Wise trotomo (Ketua Sidang Kurator), Asmudjo Jono Irianto
dan M. Rain Rosidi (Anggota), yang berupaya mena jamkan diskusi untuk dijadikan rujukan dalam memilih
seniman/karya, yang dipresentasikan di ruang Galeri R.
J. Katamsi kompleks kampus ISI Yogyakarta. Presenta si karya diolah oleh tim artistik yang dipimpin oleh Wimo
Ambala Bayang.
Melalui pameran ini, dapat dilihat bagaimana kompl eksitas pemikiran dan praktik seni rupa dalam kelindan
konvergensi, berikut irisan-irisannya pada dunia seni
tradisi. Aspek-aspek konvergensi dan kaitannya dalam
dunia pendidikan tinggi disoroti secara tajam oleh
Asmudjo Jono Irianto (lihat: Pendidikan Tinggi Seni
Rupa di Indonesia: Konvergensi dan Post Tradisi dalam
Seni Rupa Kontemporer). Asmudjo melihat bagaimana
praktik konvergensi ini dalam varian yang berkembang
di institusi pendidikan tinggi di luar FSRD ISI Yogy akarta, yakni FSRD ITB Bandung, FSRD ISI Denpasar,
FSRD ISI Padang Panjang, dan FSRD IKJ Jakarta.
Sementara Rain Rosidi berfokus pada perspektif kon vergensi dalam praktik seni visual yang ditunjukkan
oleh sejumlah perupa generasi terbaru (millennial) yang
demikian intim—bahkan sehari-hari—menggunakan
idiom, medium, dan bentuk-bentuk alternatif (multi media, seni digital, video mapping, sound art, dan se jenisnya) (lihat esai Rain Rosidi: SENI YANG TAK LAGI
“WINGIT”: Jejak Langkah Ruang Alternatif, Kolektif Seni,
dan Media Baru). Rain menyoroti bagaimana perupa
muda millennial ini tumbuh di tengah institusi pendidi 12 Iwan Pranoto, “Memahami Takdir” dalam Harian Kompas, Senin, 18 Juli 2022, hlm. 6. 13 Ibid.
17
kan tinggi seni hari ini yang diguncang oleh gelombang
perubahan yang demikian dinamis.
Pameran ini berambisi ingin menunjukkan, betapa
tantangan dunia pendidikan tinggi seni pada umumnya,
bidang seni rupa khususnya, kini, sungguh tidak
sederhana. Di tengah dromospheric space yang merun tuhkan susunan ruang antara yang di sini dengan yang
di sana atas nama kecepatan, berikut banjir bandang
informasi dan disrupsi bertubi-tubi dengan segenap
guncangannya, bagaimana institusi pendidikan tinggi
seni memposisikan diri? Sibuk dengan kerja admin istrasi demi hadir dalam statistik, matrik, dan jenjang
nilai bagus oleh para asesor, sembari menempatkan
aspek-aspek dasar (fasilitasi, sumber daya, kebaruan,
dan lain-lain) yang mendukung proses belajar-mengajar
pada prioritas kedua atau bahkan ketiga? Bagaimana
institusi pendidikan tinggi seni rupa di Indonesia mengh adapi tantangan semacam ini? Bukankah fungsi institusi
pendidikan tinggi seni (rupa) adalah untuk menemukan
bibit dan tunas seni terbaik, dan menciptakan atmosfir
yang tepat untuk tumbuh kembang mereka?
Jika pun demikian adanya, kita patut bersyukur,
bahwa daya kreativitas dan daya gugat para seniman—
notabene alumnus institusi pendidikan tinggi seni di
Indonesia—untuk terus mencari, menemukan, dan
berpihak pada pencapaian artistik, estetik, berdimensi
sosial, politik, ekonomi, kebudayaan, dan terus meng gerakkan nilai-nilai kemanusiaan, terus bertumbuhan
secara meyakinkan.

NOISE

/in /by

Noise

Anton Rais Makoginta

Antah sapek antah mantilau
Ramo ramo di dalam gantang
Antah dapek antah kok silau
Kaba lah lamo tak baulang
Tambilang di rumpun lansek
Di baliak batang kayu patai
Dibilang sado nan dapek
Nan tingga untuak rang pandai
Tatkalo jarek ka dikambang
Jatuah badarai bungo lado
Tatkalo surek dikambang
Cucua badarai isi kapalo
Pilin-bapilin rotan sago
Kaik-bakaik aka baha
Sajak di langik tabarito
Tibo di bumi jadi kaba
Palupuah tadia nan dibantangkan
Puti batanun suto perak
Sungguahpun kaba nan disampaikan
Suri tuladan untuak rang banyak

Kata ‘noise’ sudah siang bagaikan hari, terang bersuluh bulan, bergelangang di mata orang ramai. Tidak perlu lagi kita sigi dedahkan asal usul, pengertian katanya, barangkali ceritera ini sangat cocok mengena di awal tulisan ini. Tengah malam dua karib sedang berbicara melalui telepon, tiba-tiba hujan deras mengguyuri tempat mereka masing-masing. Pembicaraan menjadi tidak jelas, bertumpuk dengan deraunya hujan, mereka mencari posisi agar kebisingan tersebut terminimalisir dan pembicaraan berlanjut kembali. Suasana tersebut merupakan gambaran dari noise, dalam hal ini hujan hadir sebagai pengabur pembicaraan, pengganggu topik utama pembicaraan mereka. Namun bagi orang lain hujan yang turun di saat itu memang hal yang ditunggu untuk membuat tidur lebih lelap, juga ada yang menunggu untuk pengairan sawahnya. Polah mereka yang mencari posisi untuk meminimalisir adalah sifat adaptif terhadap lingkungan sekitar, karena hujan bukan berada atas kehendak dan diciptakan oleh mereka sendiri.
Hakikat dari noise adalah mampu mengaburkan hal substantif atau hal yang utama, walaupun yang membuat kabur tersebut dengan beradapatasi akan sanggup pula menjadi hal utama nantinya sesuai dengan waktunya berproses. Memperhatikan perbincangan Jim Supangkat di kanal youtube galeri nasional belakangan ini dengan tegas beliau menyatakan, bahwa seni rupa indonesia hidup di atas mitos-mitos art barat (eropa barat-amerika). Hal tersebut berangkat dari pemikiran bahwa seni rupa tidak niscaya setua kebudayaan manusia, seni rupa juga tidak serta merta bisa dianggap gejala universal yang muncul pada semua bangsa di dunia di segala zaman, art adalah tradisinya orang barat.
Berabad-abad lamanya cikal bakal negara yang bernama Indonesia ini dikolonialisasi, dijerat, diikat, dimasuki seni rupa yang lebih moderen. Sehingga praktik-praktik seni rupa sebelumnya dinyatakan sebagai hal yang kuno, dijadikan kajian penelitian arkeologi dan antropologi. Setelah merdeka sampai sekarang penulisan-penulisan, baik tulisan kurator ataupun kritikus seni, pencapaian seniman selalu dibandingkan atau dirujuk pada perupa-perupa barat. Misalnya seniman Indonesia mengolah ready made, barang tentu tulisan itu akan dipenuhi tentang Marchel Duchamp. Contoh lainnya gerakan kolektif seni di Indonesia pada akhir-akhir ini, akan dicari bahwa di barat telah lama muncul kolektif yang mereka namai dengan guild di beberapa tempat, dan lagi-lagi kelompok Dada di Jerman sebelum diboyong ke Amerika dibicarakan. Walaupun tujuan tersebut salah satu usaha menempatkan atau mengakui capaian-capaian perupa dengan perkembangan seni rupa global, tetapi ia tetap menempel, mengekor, menganggu, bising, noise. Artinya seni rupa Indonesia itu sebenarnya adalah noise bagi perkembangan art.
Praktik demikian akan selalu membawa capaian-capaian perupa Indonesia akan selalu berbau-bau barat, kalau tidak tekniknya, wacananya pun beraroma barat. Apakah kita menyalahkan kondisi demikian? Tentu tidak! Ada sebuah analogi, jika kita pernah ke kota Padang, akan meilihat angkutan umum bebagai modifikasi, malahan sampai ekstrim tak nyaman dinaiki dan kita tidak bisa mengidentifikasi kendaraan tersebut aslinya bagaimana. Orang yang memikirkan untuk menciptakan kendaraan sebagai alat transportasi tentu saja bukan orang Padang, mereka memodifikasi yang telah diciptakan. Kata sederhananya, kita tidak pernah (belum) mampu menciptakan kendaraan, kalau menghias sanggup sekali. Begitulah industri bekerja, dikuasi negara-negara besar, pemilik modal besar, kapitalisme global. Itu juga gambaran bagi seni rupa indonesia, memodifikasi yang telah ada sebelumnya dengan berbagai teknik, bentuk dan wacana yang mengandung keindonesian melihat isu besar nan global.
Untungnya bagi yang terlambat bisa mengambil cotoh pada yang telah sudah dan mengambil tuah pada yang menang, tapi jangan ditelan mentah-mentah karena bisa akan muntah. Industri- industri seni rupa indonesia berkembang pula mengikuti perkembangan yang telah ada di barat, event-event seni rupa merujuk ke sana, mulai dari pameran di galeri komersil, art fair galeri, art fair perupa, projek seni rupa, pun pameran bakaba ini. Tinggal memoles dengan isu-isu lokal dengan level skala pada tingkat global, seperti isu sosial, gender, lingkungan, politik, spritual, identitas, sejarah, ketubuhan dan seterusnya.
Medan seni kita usahakan pula untuk ideal, muncullah para kurator, hadir beberapa galeri, bienal-bienal di beberapa kota, art fair tiap tahun, pertemuan-pertemuan kaum industri seni rupa, pesta antar seniman dengan kolektor dan pelaku lainnya. Itulah usaha adaptasi, dengan cara demikian kita dapat mengikuti arus yang telah diciptakan, arusnya terlalu besar untuk dihadang songsong berhadapan. Tentu saja yang melawan arus tersebut tetap ada, dengan mengucapkan kata maaf karena arus mereka merasa terganggu.
Sakato Art Community sekumpulan ratusan perupa di Yogyakarta dengan sadar memasuki indusrti seni rupa ini, menjaga hubungan dengan orang-orang yang terlibat dengan medan seni merupakan salah satu hal yang menjadi perhatian. Menetapkan bahwa seni rupa pilihan hidup yang perlu benar diseriuskan, dan nyatanya kebanyakan perupanya bisa hidup pula dengan keseniannya. Uniknya sebagai kolektif, Sakato berusaha memerdekakan individu setiap warganya. Artinya tidak akan lahir satu karya bersama, melainkan karya-karya individu. Kata lainya, kolektif seni demi kepentingan perupa otonom. Keadaan tersebut mampu membuat komunitas ini bertahan sejak 1995 sampai sekarang, 27 tahun sebagai bukti kesanggupan sustainability. Hidup dengan usaha sendiri, walaupun ada dukungan dari pihak tertentu, namun tidak berusaha bertahan dengan memutar proposal pada lembaga-lembaga pendanaan yang memiliki kepentingannya sendiri jua.
Membicarakan capaian-capaian artistik, membentuk hubungan dengan pihak lain tergabung dalam “ota sakato”, semacam diskusi yang tidak ditentukan format, melainkan bercerita saling berbagi pengalaman secara santai, simutan bisa berlangsung di studio masing-masing, di mana pun. Untuk perputaran ekonomi komunitas dan warganya di sekretariat sakato dinamai dengan “merandai pajang”, segala bentuk cipta kreatif ada di sana, dari kerajinan, merchandise, karya seni dalam ukuran kecil bisa dipajang secara bergiliran terus-menerus.
Kenapa dinamai dengan warga sakato? Belakangan sistem sebuah komunitas yang berpatron pada ketua ataupun direktur, hidup bersama yang bersifat hierarkis dirasa tidak cocok dengan karakter anggotanya. Kebetulan kebanyakan anggotanya berlatar belakang budaya yang sama, minangkabau. Budaya yang sesungguhnya tidak mengenal kedudukan hierarkies tersebut, hal inilah yang diubah oleh Belanda pertama kali pada awal abad 19. Sistem berkampung tersebutlah yang diterapkan kembali beberpa tahun belakangan, benar ada yang mengurus tapi keputusan bukan ditangan mereka. Sehingga istilah pengurus dan anggota tidak berlaku bagi komunitas sakato, lebih tepatnya semuanya adalah warga sakato.
Pameran bakaba merupakan salah satu usaha membuat pertemuan antar seniman dengan berbagai kepentingan. Perjumpaan dengan pihak galeri, pertemuan dengan seniman lainnya, perjumpaan dengan kolektor, persuaan dengan berbagai apresian yang bermacam polahnya, tidak memungkinkan adanya kerjasama antar mereka setelah itu, satu hal yang mereka ingat tidak tercerabut sebagai warga sakato.
Dalam bakaba #8:Noise, hampir 100 warga sakato turut serta memerkan karyanya, baik yang baru berkarya sampai yang telah menjalin sebuah kerjasama dengan galeri di manapun, mereka berkumpul pada kesempatan ini, sebanyak itu dan di tempat pameran yang memiliki beberapa ruang, sangat memungkinkan mengklasifikasi pokok perupaan mereka. Misalnya, satu ruang pokok peruapaannya landsacpe, ruang yang lain terdapat karya yang memperlihatkan kemampuan teknik melukis realis, ruang yang lainnya pokok perupaan abstrak, ruang yang berisikan warna-warna gemerlap serta beberapa instalasi dan mural di dalam ruang ataupun di luar ruangan terkelompokkan dengan jelas. Sangat beragam yang akan kita jumpai, semuanya adalah capai-capaian penciptaan warga sakato saat ini, setelah sekitar 4 tahun pameran bakaba tidak digelar.
Karya yang terdapat dalam pameran ini bisa menjadi noise untuk bakaba sendiri. Juga karya yang lain melihat keadaan noise di luar lingkungannya, pada ranah sosio-politik, lingkungan, atau isu global yang begitu banyak dan hangat dibicarakan saat ini. Satu hal yang pasti para warga sakato kebanyakan adalah perupa yang berkarya dan hidup di studio dan sadar dengan industri seni rupa (profesi), itulah pilihan mereka, isu-isu di luar studio mereka serap memalui berbagai informasi, mereka tidak terlalu mengada-ada dengan melakukan sebuah penelitian yang sesungguhnya sangat berjarak dengan kehidupan mereka sehari-hari.
Pada akhirnya, keadaan seni rupa indonesia berada pada posisi noise, tinggal waktu yang membuktikan bahwa sesuatu yang noise tersebut akan menjadi hal yang utama pula nantinya. Sakato sebagai kolektif seni juga noise bagi kolektif-kolektif yang mengubur kemerdekaan individu di dalamnya, 27 tahun sebagai bukti sakato tetap bertahan hidup di kaki sendiri, merdeka.
Balayia kapa dari Samarang
Banyak mambao suto-suto
Balabuah tantang Painan
Baitu kaba kato urang
Duto urang kami indak sato
Bohong urang kami tak di sinan

 

NOISE

/in /by

BAKABA #8

NOISE

Menandai Spirit Zaman Dalam Kebisingan Dunia Digital.

Dalam definisi umum, noise diartikan sebagai kebisingan. Definisi ini dapat diperluas menyangkut banyak hal seperti permasalahan politik, sosial masyarakat, religius, hingga kesenian.

Memaknai kebisingan (noise) dalam fenomena seni rupa kekinian, salah satunya dapat kita amati dari mudahnya akses dalam mengapresiasi karya seni dengan bantuan teknologi internet melalui media sosial dan fasilitas digital lainnya seperti katalog digital hingga pameran seni berbasis digital.

Dampak baiknya, seni rupa dapat diapresiasi oleh berbagai kalangan masyarakat. Dalam pameran seni rupa konvensional, sosial media dimanfaatkan untuk mempublikasikan pameran seni, hal ini efektif karena sifat sosial media yang mampu menjangkau banyak orang.

Kita dapat mengamati fenomena pertumbuhan apresian dari golongan pengguna sosial media, kebanyakan apresian golongan ini merupakan anak-anak muda pengguna aktif sosial media yang mengapresiasi karya seni dengan cara mereka sendiri seperti Selfi atau membuat video pendek yang pada akhirnya juga bermuara menjadi konten internet di laman sosial media masing-masing apresian. Dalam konteks ini, sosial media berhasil menciptakan basis apresian dan cara mengapresiasi karya seni yang khas. Fenomena ini juga banyak di apresiasi oleh seniman dengan membuat karya yang bisa mengakomodir cara mengapresiasi seperti ini.

Pada tahun 2015, detik.com memuat berita dengan judul “Jumlah Pengunjung Galeri Nasional Meningkat Karena Tren Selfie”. Pemberitaan ini memaparkan tentang meningkatnya jumlah pengunjung Galeri Nasional karena peran sosial media. Zambrud Setya Negara yang menjabat sebagai Kepala Seksi Pameran dan Kemitraan Galeri Nasional telah meneliti fenomena ini sejak tahun 2013.

“Pada 2013 lalu jumlah pengunjung sekitar 65.844 pengunjung per-tahunnya. Namun, angkanya melonjak menjadi 109 ribu pengunjung di tahun 2014. Sepanjang 2015 pihak Galeri Nasional Indonesia fokus dan konsisten menyebarkan informasi pameran melalui media sosial. Nominalnya pun naik menjadi 115.863 pengunjung[1].

Statistik pengunjung Galeri Nasional pada tahun 2015 memperlihatkan peningkatan pengunjung pameran yang signifikan. Hal ini pun terjadi di galeri, museum dan bahkan ruang-ruang seni alternatif di Indonesia, bahkan fenomena peningkatan pengunjung pameran ini pun terus berlangsung hingga tahun ini yang didukung dengan berkurangnya kasus covid-19 dan pelonggaran peraturan pemerintah tentang pandemik.

Selain dalam wilayah apresiasi, dampak dari sosial media juga memunculkan fenomena seni rupa dalam wilayah kekaryaan dan kesenimanan. Sosial media menghamparkan ribuan karya seni, memunculkan ribuan seniman-seniman baru, mempublikasikan ribuan pameran seni, yang berlangsung setiap hari, bahkan dalam setiap jam.

Selain hal-hal baik tentang Kemudahan dan kecepatan dalam memamerkan, mengapresiasi dan memproduksi karya seni terdapat konsekuensi yang diterima oleh kesenian itu sendiri seperti plagiarisme, kaburnya klasifikasi seniman, dan minimnya pembacaan karya dalam hal wacana, konsep dan gagasan seniman.

Namun, jika seni berfungsi sebagai penanda zaman, maka konsekuensi ini merupakan konsekuensi atas zaman itu sendiri. Kemudahan teknis yang diberikan oleh teknologi digital memungkinkan setiap orang kini terlibat dalam berbagai bentuk kegiatan kreatif. Terjadi ledakan kreativitas, dan kreativitas bukan lagi milik kaum genius eksklusif.[2]

Maka tidak heran jika ledakan kreativitas ini dapat kita lihat dari banyaknya karya yang diproduksi dan diunggah di sosial media setiap harinya. Ledakan kreativitas ini memberikan euforia yang secara tidak langsung menenggelamkan fungsi, nilai, dan makna dari karya seni itu sendiri. Selain itu, ledakan kreativitas juga turut memudarkan klasifikasi seniman karena siapa pun pada akhirnya dapat menjadikan dirinya seniman tanpa lagi melewati proses-proses berkesenian secara konvensional.

Hal ini mungkin saja transisi dari perubahan zaman yang begitu pesat semenjak mudah dan murahnya dalam mengakses teknologi internet. Kemungkinan dampak lanjut dan mendasar dari ledakan kreativitas adalah yang bersifat “dekonstruktif”, yakni yang betul-betul mengubah secara radikal pola perilaku konvensional, sambil melahirkan “disrupsi”, dalam arti: pola-pola lama tak lagi bisa digunakan.[3]

Perubahan pola ini merupakan tantangan bagi seniman untuk menyelesaikan persoalan zamannya melalui karya seni.

Fenomena ini pun memantik pembicaraan seni rupa dalam wilayah esensial tentang karya seni, kesenimanan, nilai, serta fungsi dari karya seni itu sendiri. Jika fenomena-fenomena ini dianggap sebagai bentuk kebisingan (noise) yang terjadi di seni rupa, kita tentu dapat melihatnya dalam dua sudut pandang, baik positif maupun negatif.

Salah satu fungsi dari seni adalah sebagai penanda zaman. Seniman seharusnya mampu menangkap spirit zaman yang berkorelasi dengan kekaryaan dan gagasannya. Melalui pameran BAKABA #8 ini, kita mungkin dapat mengamati hal-hal apa saja yang ditandai seniman melalui karya-karyanya.

 

Riski Januar

Bantul, 2 Agustus 2022

[1] https://hot.detik.com/art/d-3098045/jumlah-pengunjung-galeri-nasional-meningkat-karena-tren-selfie diakses pada 2 Agustus 2022, 1.49 WIB

[2] Sugiharto Bambang, Kebudayaan dan Kondisi Post-Tradisi, Penerbit PT. Kanisius, Yogyakarta, 2019. Hal 111

[3] Ibid hal 113

Pameran kelompok nesos

Pameran kelompok Nesos

/in /by

Prosaic Poetic 

Pameran kelompok Nesos yang terdiri dari Aam Artbrow, Aly Waffa, Mayek Prayitno,
Mahendra Pampam, Wira Datuk, Suwandi Waeng, Rifai Prasasti, Ulil Gama dan Wibi Asrob
diselenggarakan di NW Art Space dari tanggal 23 Juli – 12 Agustus 2022. Pameran itu diberi
judul “Prosaic – Poetic” yang bisa diartikan sebagai ‘persoalan kehidupan keseharian yang
kemudian ditarik inti-intinya’ untuk dijadikan solusi dalam bahasa jiwa.

Secara umum orang-orang merasa hidup dalam tatanan realitas; bagaimana upaya
mereka bertahan hidup, berjuang meraih cita-cita, bermasyarakat dan bernegara adalah
kenyataan yang membosankan yang tidak bisa dibantah. Kenyataan seperti ini yang kemudian
dikategorikan sebagai prosaic. Di balik kenyataan terdapat suatu ruang yang memiliki
realitasnya sendiri yang disebut imajinasi. Imajinasi biasanya dianggap sebagai sesuatu ruang
yang tidak nyata, pengkhayal, imajiner. Dunia imajinasi memiliki ruang yang tidak terbatas
dengan memungkinkan ketidaknyataan menjadi nyata (Mayek Prayitno, 9 Juni 2022). Ruang
seperti ini yang disebut poetic.

Metode analisis yang saya gunakan dalam membedah permasalahan yang terungkap
melalui karya-karya kelompok ‘Nesos’ adalah teori Imajinasi J. Engell dalam Journal
Cambridge. Dalam teori itu disebutkan bahwa imajinasi adalah kemampuan tertinggi manusia
yang memungkinkan nalar bekera dan perasaan menggeliat. Imajinasi adalah alat manusia
untuk membongkar segala yang mengungkungnya, untuk menjangkau yang tak terbatas, alat
untuk mengubah dan menggubah realitas, dalam arti mengadakan perubahan hidup sekaligus
menciptakan realitas baru. Shelley memodifikasi realitas sehari-hari menjadi being is
imaginary, kenyataan adalah apa yang kita imajinasikan. Shelley beranggapan bahwa
imajinasi manusia adalah bagian dari budi universal, sekaligus merupakan aspek ilahi dalam
kodrat manusia. Imajinasi menyebarkan sinar tak terlihat yang menghubungkan dan
menghidupkan segala hal. Bahkan jiwa manusia, katanya, dihidupi oleh inajinasi,sementara
akal adalah bagian tubuh (otak) semata (Engell, 1981/256-264).

Pengalaman macam itulah yang akhirnya mengubah sikap reaktif (menjawab) menjadi
kreatif (mencipta); kecenderungan reseptif (mencerap) menjadi formatif (membentuk).
Pengalaman indrawi menyentuh intuisi lalu membukakan imajinasi.
Karya-karya lukisan Aam Artbrow, Aly Waffa, Mayek Prayitno, Mahendra Pampam, Wira
Datuk, Suwandi Waeng, Rifai Prasasti, Ulil Gama dan Wibi Asrob bisa dikatakan menarik inti masalah dalam kehidupan keseharian menjadi metafor-metafor imajinasi yang bisa
dikomunikasikan kepada khalayak umum. Sebab seni murni pada dasarnya adalah
komunikasi. Komunikasi antar manusia melalui penafsiran atas sebuah karya. Bahasa yang
digunakan dalam komunikasi seni murni adalah bahasa imajinasi, yaitu imajinasi rupa yang
bentuknya diolah sedemikian rupa hingga menjadi metafor yang bermakna. Dalam bahasa
poetic ini memang tak ada gramatika baku seperti dalam bahasa prosaic. Bahkan setiap
seniman bebas untuk menciptakan sendiri ungkapan khas atau ideolect-nya secara pribadi.

Dalam komunikasi itu logika yang bekerja pun berbeda, yaitu cenderung didominasi
‘logika rasa’ imajinatif yang sangat mengandalkan imajinasi dan hati. Tentu saja saat
menafsirkan karya, ‘logika nalar’ konseptualpun ikut berperan, namun kekhasan komunikasi
lewat karya seni terletak bukan pertama-tama pada ‘makna’ logis konseptualnya, melainkan
pada ‘efek’ rasawi imajinasinya. Melalui efek rasawi itulah orang lantas lebih lanjut
menalarkan ‘makna’-nya. Pada titik ini seni memang merupakan kegiatan memproduksi efek
indrawi, efek imajinatif dan rasawi.

Maka tak heran apabila filsuf Aristoteles mengungkapkan, bahwa orang-orang jenius
yang sesungguhnya bukanlah mereka yang canggih menghitung atau menyimpulkan gagasan,
melainkan mereka yang mampu menciptakan metafora-metafora baru yang mengejutkan,
cara-cara baru yang segar untuk memahami kenyataan. Dari sisi ini karya-karya poetic tiada
lain adalah bermacam upaya untuk merekayasa kognisi, cognitive engineering (Scheling,
1989: 22). Semacam itulah yang dapat kita harapkan dari para seniman kelompok Nesos yang
berpameran kali ini di NW Art Space.
Selamat berpameran.

BSG Jambidan, 18 Juli 2022
Aa Nurjaman

  • Pustaka
    Engell, J. ”The Creative Imagination: Englightement to Romanticism”. Cambidge Mass.
    1981/256-264
    Irawati, Ferra. “Analisis Visual Lukisan Karya Aly Waffa Periode 2019-2022 di Gresik
    Jawa Timur”. Jurnal Seni Rupa, Vol. 10, No. 5, Tahun 2022/79-91.
    Mandoki, Katya. 2007. Everyday Aesthetics: prosaics, the play of culture, and social identities.
    Aldershot: Ashgate.
    Scheling. 1989. The Philosophy of Art. Transl: Douglas W. Stott. Minnesota: University of
    Minenesota Press.
    Deskripsi Mayek Prayitno, 9 Juni 2022

PROKES

/in /by
Katalog Pameran PROKES 2021

TEMA PAMERAN

PROKES

Satu setengah tahun sudah, wabah covid-19 yang melanda Indonesia dan penyebarannya harus segera diputus. Pemerintah kemudian menerapkan peraturan pelarangan mengadakan kegiatan yang menimbulkan keramaian, menjaga jarak, mencuci tangan, Segala aktifitas atau kegiatan yang mengundang orang banyak dilarang pemerintah, termasuk pameran seni rupa. Bekerja dari rumah (work from home), diberlakukan bagi aparatur sipil negara dan swasta. Bagi seniman sudah biasa bekerja dari rumah dan di studio mereka masing-masing. Namun pelarangan pameran membatasi ruang apresiasi secara tidak langsung berdampak pada perekonomian seniman. Beberapa artist dan art worker mulai mencari alternatif lain supaya dapur mereka tetap berasap. Istilah ‘Prokes’ (protokol kesehatan) mulai dikenal di seluruh Indonesia dan viral di dunia maya. Semua kegiatan harus memperhatikan prokes (5M); memakai masker, menjaga jarak, mencuci tangan pakai sabung, menghindari kerumunan dan membatasi mobilitas.

 

Kota Yogyakarta merupakan lingkungan kondusif untuk berkesenian, terutama seni rupa. Di sini, selain semangat berkompetisi rekan se-profesi takhentinya memberi spirit untuk membangkitkan gairah dalam melahirkan ide-ide yang brilian di atas kanvas dan media lain yang digandrung seniman. Hal itulah yang dirasakan setiap anggota Sakato Art Community. Atas nama individu maupun kelompok semangat kebersamaan dibangun di atas pondasi rasa senasib sepenanggungan, se-daerah, dan se-angkatan sewaktu menimba ilmu di perguruan tinggi seni di kota pelajar ini. Romantika dan nostalgia telah mengukir sejarah panjang pada diri masing-masing seniman. Apa pun realita hidup yang dihadapi saat ini, rasanya sulit melupakan masa lalu tersebut. Kuatnya rasa kebersamaan itu, hingga akhirnya terbersitlah gagasan untuk mendirikan organisasi dengan nama ‘SAKATO’ (se kata), cikal bakal berdirinya Sakato. Wadah yang diharapkan dapat menampung semua inspirasi anggotanya pada waktu itu. Di bawah payung organisasi diharapkan seniman Sakato dapat maju dan berkembang bersama. Semangat untuk selalu berjalan seiring diharapkan tidak akan pernah padam, karena ini adalah marwah dari oraganisasi ini dibentuk. Belajar dari pengalaman pribadi dan pengalaman teman-teman dalam keluarga besar Sakato Art Community dapat mendorong untuk bekarya para anggotanya dan menghasilkan sesuatu pemikiran baru dalam seni rupa.

 

Kebersamaan tersebut semakin terasa ketika jauh dari kampung halaman. Hal ini menimbulkan hubungan erat antar anggota. Kesatuan dan keutuhan mereka rasakan bersama, hal ini mempu menekan ego masing-masing dalam interaksi hubungan sosial di perantauan. Teman menjadi semangat, teman juga sebagai tempat curhat. Bagi mereka yang kebetulan sudah mapan dalam finansial menjadi tempat bersandar bagi mereka yang masih berproses menuju kehidupan yang sejahtera. Sebaliknya, Ide pada sebuah karya besar dari mereka yang telah mendapatkan posisi, bisa saja lahir dari hal remeh yang hadapinya di dalam kelompok.

 

Kali ini SAKATO mengambil tema Pameran PROKES merupakan salah satu agenda yang mengawali kegiatan Sakato seiring berkurangnya wabah covid 19 secara  significant di Kota Yogyakarta. Moment ini sekaligus memperkenalkan ke publik kesekretariatan Sakato yang baru. Sekretariat lama di Kalipakis khusus sebagai ruang pameran dan pemajangan.  Pameran ini diusung komunitas seni rupa dari Etnis Minangkabau yang berdomisili di kota Yogyakarta. Tema PROKES sebagai pembuktian bahwa seniman tetap memilih seni rupa sebagai jalan hidupnya dan ia tetap berada di jalur berkesenian apapun kenda yang dihadapi. Profesi yang memerdekakan rasa mereka dalam seni visual. Seniman zaman now tak dapat berdiri sendiri, sebagai makhluk homo sapiens, seniman merupakan spesies yang sangat tangguh dalam beradaptasi dengan lingkungannya, hubungan timbal balik kepentingan dengan manusia lain selalu ada. Dalam ilmu sosiologi makhluk sosial merupakan sebuah konsep ideologis yang di dalamnya komunitas menjadi bagian dari struktur sosial yang dipandang sebagai struktur yang hidup dan berkembang.

 

Di dalam tubuh sakato dibangun sikap kritis sebagai satu keutuhan yang mengakomodasi banyak kepentingan individu. Sakato sebagai komunitas seni selalu kritis (critical) membaca situasi, untuk tidak mudah berpuas diri dengan apa yang ada. Hal tersulit untuk melihat kedalam karya sendiri dari sudut pandang yang berbeda. Sikap kritis ini dibutuhkan mereka untuk melahirkan karya-karya baru dan menjawab persoalan pokok (content) selaras dengan arah berkeseniannya. Budaya kritik juga diartikan sebagai upaya sadar untuk melihat dan menyadari kekurangan dan mengerti apa yang akan diperbuat selanjutnya hal ini menjadi mudah ketika dibawa ke forum diskusi internal di sakato.

 

Sakato mengutamakan komunikasi (communication) merupakan bahasa yang di dalamnya terdapat maksud yang  melibatkan pembuat dan penerima pesan. Seniman-seniman sakato dalam proses berkeseniannya selalu terkoneksi dengan media konvensional atau digital. Berkolaborasi dengan komunitas lain dalam ruang lingkup Yogyakarta, nasional dan Internasional. Bersinergi dengan bidang lain di luar seni, berkolaborasi dengan seniman  di luar sakato. Kesamaan kultur, sifat, atau keadaan yang mempererat kesatuan dan keutuhan Sakato Art Comunity ini. Selalu mempertahankan sikap baik dan kejujuran, sebagai wujud keutuhan prinsip moral dan etika kita dalam kehidupan berbangsa dan bernegara.

 

Akhir kata, berkesenian bagi anggota sakato adalah bukti sebuah integritas, ungkapan rasa penuh kejujuran dan ketulusan. Karya sebuah pencapaian, bahkan wahana untuk merefleksikan dirinya terhadap situasi dan kondisi yang ada. Melalui pameran ini diharapkan anggota SAKATO tetap pada komitmen PRO KESenian.

 

 

Pengurus

Pesan Baru Akhir Tahun

/in /by

Pesan Baru Akhir Tahun

Ditulis oleh Jajang R Kawentar

Seni Preeet terbuka umum, memiliki agenda Pameran New Message Space (Ruang Pesan Baru) Pameran ini digelar Bangunjiwo ArtDome (Rumah Teletubbies) Cikalan, Rt. 02 DK. II, Ngentak, Bangunjiwo, Kasihan, Bantul Yogyakarta, Minggu, 27 Desember 2020 – 27 januari 2021. Pameran ini bersamaan dengan pameran penggalangan dana untuk seniman disabilitas disfungsi dua kaki, Edy Priyanto, korban tabrakan yang mengalami patah tulang bahu kanannya,  luka di kepala dan pan di kaki lepas.

Menampilkan 15 perupa dari latar belakang pendidikan dan budaya berbeda, Medan, Jawa Barat, Minang, Yogyakarta, Jawa Timur, Kalimantan, Palembang, yang berproses di Yogyakarta. Diantaranya; Deden FG, Paul Agustian, Riki Antoni, Desmond Zendrato, Baraliar/Chacha Baninu, Dadang Imawan/Dewi a.k.a. DuaDe, Ratih Alsaira, Ipo Hadi, Ahmad Arief Affandi, Agapitus Ronaldo, N. Rinaldy, Dadah Subagja, dan Windi Delta.

Seni Preeet menyajikan Mural, Grafity, Colagge, Instalasi, performance art.  Karya seni yang tidak diseriusi tapi berpikir serius. Seperti bermain menciptakan aturan mainnya sendiri. Inti dari pesan Seni Preeet tetap konsisten saja. Pesannya bersifat mengingatkan yang ditujukan untuk diri sendiri. Meskipun sesungguhnya sebuah pesan itu juga berlaku umum. Seperti undang-undang Preeet berkata: “Kita tidak pikir apa yang orang pikir, kita berpikir apa yang kita masalahkan.”

Anggap saja Seni Preeet anak-anak yang selalu rindu mencintai sukacita, dan kasih sayang. Meskipun yang terlibat dalam pameran ini semua pemuda paruhbaya (dewasa), bukan anak-anak. Jangan sampai kita merasa paling baik dan paling benar sehingga merendahkan sesamanya, bahkan menghabisinya. Belajar hidup tidak menyimpan rasa dendam, tidak merugikan orang, marah biasa, bertengkar sebentar setelah itu akur lagi. Hidup sementara, seni itu umurnya panjang. Tidak perlu terlalu ngotot dalam berkesenian, cukup ngotot dalam berkarya.

Karya-karya yang terdisplay seperti harapan senimannya, memilih tempat dan mengaturnya sendiri, hingga karya itu menempatkan bunyi pesan pada ruang. Ruang pesan baru melekat pada karya, letak karya, pertunjukkan dramatikal senimannya, diungkapkan melalui tulisan dan secara verbal.

Andai hal ini bagian dari kebebasan, demokrasi, atau toleransi; dengan cara seniman diberikan hak penuh mengatur penempatan, memasang karya sendiri, kemudian meresponnya. Sehingga tidak lagi membutuhkan ahli display atau mengatur kelayakan menurut aturan standar display. Mungkin ini tragedy mengurangi karakter sistem kerja kurasi.

 

 

Ketika perupa berkhayal mewujud ke dalam karya seni, disitu ada ruang pesan baru, ada pesan baru ruang. Ada pesan baru dalam sebuah ruang, ada ruang apa dalam pesan baru? Ada jejak yang baru tertinggal atau sengaja ditinggal disebuah ruang. Meskipun kini pesan-pesan baru itu berhamburan dan berulang-ulang, bahkan berulang pesan yang sama, pesan seperti baru. Pada kenyataannya mungkin pesan itu tidak ada, namun seperti nyata. Pesan baru itu dibuat seperti nyata, meskipun faktanya tidak ada. Adapun demikian faktanya nyata, pesan baru mengubahnya menjadi ilusi, disamarkan atau malah ditutupi dan dihilangkan.

Apa yang bisa ditangkap dari sebuah pesan baru, apa yang bisa diungkap dari pesan baru? Tentunya pesan baru itu seperti juga segala sesuatu yang dihadapi dialami dalam menjalani kehidupan. Berbagai macam persoalan saat ini, pengalaman dan pengetahuan baru, yang didedikasikan kepada bahasa seni.

 

Tembi, 22 Desember 2020

Kurapreeet

poster publikasi

Pameran Virtual Peace in Chaos!

/in /by

Pameran Virtual Peace in Chaos!

Oleh Jajang R Kawentar

Kreativitas itu tidak dapat dibendung dan harus menemukan jalan keluarnya; maka memamerkan karya seniman disabilitas (berkebutuhan khusus) pada pameran virtual Peace in Chaos. Ada sepuluh seniman, Agus Yusuf (Madiun; Daksa), Anfield Wibowo (Jakarta; Rungu Wicara, Sindrom Asperger), Bagaskara Maharastu Pradigdaya Irawan (Yogyakarta; Rungu Wicara), Lala Nurlala (Bandung; Asperger), Laksmayshita Khanza Larasati Carita (Sleman; Rungu Wicara), Mochammad Yusuf Ahda Tisar (Lampung; Rungu Wicara), Rofita Rahayu (Gunung Kidul; Rungu Wicara), Wiji Astuti (Gunung Kidul; Amputi Tangan dan Kaki), Winda Karunadhita (Keramas Gianyar Bali; Muscular Distrophy), Yuni Darlena (Bengkulu; Daksa). Digagas oleh Budi Dharma (Butong) koordinator pameran.

Cara damai dalam situasi kacau ini, berbagai kreativitas harus difasilitasi sebagai produktifitas baru menghadapi situasi. Dalam rangka menghindari wabah Covid-19 menyiasati kegiatan kolektif, salah satu solusi adalah event virtual. Event ini melibatkan banyak seniman dan video maker  tanpa harus berhadapan langsung. Seniman tetap di rumah, tetap bisa menjaga jarak untuk menjaga kesehatannya. Tim event virtual exhibition berkerja di rumah mengolah data mempersiapkan penayangan secara online. Hanya mengandalkan media sosial dan handphone.

Seniman terus meningkatkan produktifitasnya sebagai upaya menghindari ketegangan berpikir yang diakibatkan dari kecurigaan karena setiap orang membawa bakal penularan virus. Situasi umum ini meneror terus menerus, sehingga keadaan pandemi terasa kian mencekam.

 

Ketika Melukis Menjadi Pilihan Hidup  

Seni tidak akan ada matinya. Kreatifitas seni terus memenuhi ruang dan waktu dalam kondisi dan situasi apapun. Ia hadir memberikan pencerahan, pandangan serta pemandangan segar, wawasan baru dan pengalaman baru bagi para pelaku dan penikmatnya. Berupa prosesnya atau karya yang dihasilkannya.

Ketika melukis menjadi pilihan hidup, dalam situasi dan kondisi apapun akan tetap melukis. Namun bagaimana ketika melukis itu menjadi pilihan hidup bagi para penyandang disabilitas? Kekuatan, kesungguhan dan keyakinan yang telah teruji terhadap pilihannya itu. Dengan berbagai kendala keterbatasannya adalah kelemahan yang justru menjadi kekuatan meyakinkan semua orang atas kemampuannya. Mereka mampu melewatinya dengan keseriusan menyuguhkan karyanya. Meskipun itu bukan jalan hidupnya, setidaknya melukis menjadi pilihan hidupnya yang bersahabat dan ramah padanya.

Dalam berkarya, mereka tidak memaksa orang lain mengerti disabilitas yang ditanggungnya. Mereka menyadari sungguh dirinya bukanlah objek, tapi subjek seperti juga warga masyarakat lainnya. Mereka tidak meminta dipahami, karena mereka tahu orang yang peduli tidak butuh penjelasan itu. Seperti halnya mereka turut mendonasikan sebagian dari penjualan karyanya disisihkan bagi saudara-saudaranya yang terdampak Covid-19. Semoga dari apa yang ia mampu beri menularkan virus kebaikan dan perdamaian. Menghadiahkan yang bermanfaat bagi semua orang.

 

Keindahan Menjemput Damai

Menikmati karya dari kepasrahan dan ketulusan penciptanya, ada rasa haru dan kagum tak terhingga. Meskipun melihat proses mereka berkarya melalui beberapa photo dan video yang mereka rekam, memahami keindahan maha pencipta dan apa yang diciptakannya. Baiklah kita mulai dengan Agus Yusuf, tanpa kedua tangannya melukis dengan mengunakan mulut untuk menggerakkan kuasnya. Berapa lama ia meyakinkan kalau dirinya mampu melukis dengan indah. Ia betul-betul mahir melukiskan bentuk benda atau objek. Kemauan dan kesabarannya seperti telah menghadirkan kedua tangannya yang tiada itu. Dia memamerkan dua karya lukisan yang mampu merangsang orang ingin memiliki atau ingin mencicipinya seperti lukisan buah apel yang mulai memerah di batangnya diberi judul ‘Menggugah’, dan lukisan Merpati merpati putih berpasangan bertengger di pohon sedang memadu kasih, damainya meraka itu terasa seperti judulnya ‘Damai’.

Anfield Wibowo, memiliki banyak gagasan yang mengalir yang mendorongnya mengungkapkan pada ruang kosong. Dia juga pencatat atau perekam yang baik setiap momentum keindahan yang sangat berarti baginya dan menyentuh hatinya. Sehingga ada beberapa variasi lukisan hasil eksplorasinya. Tiga karya ditampilkan pada pameran ini, ‘Menunggu Chinderella’ dilukiskan suasana malam yang bertabur bintang, di tengah malam itu Chinderella belum pulang usai pesta. ‘Musim Gugur’ dia merekam bagaimana moment ketika berkunjung ke luar negri ketika musim gugur. ‘Smiling Budha’ terkait keyakinan, spiritual dan religiusitas. Ia mengatakan pada kita tentang segala sesuatu yang telah dialami dan ditemuinyanya dengan segala apa yang ia rasakannya, atau itulah pendapatnya.

Bagaskara Maharastu Pradigdaya Irawan, tertata dengan teknik lukisnya yang mumpuni, bercerita sesuatu yang monumental, dan pesan moral terselip di dalamnya. Suasana yang dibangun adalah kegembiraan, kebahagiaan dan damai. Seperti ‘Bermain ke Negeri Dongeng’ bagaimana anak-anak bermain penuh suka cita dengan berbagai permainan, dan warna-warna cerah disaputkan pada objek-objeknya. ‘Malioboro’ menggambarkan Malioboro yang padat gedung pertokoaan seperti berlomba menembus langit. Serta ditandai pula oleh pesatnya pembanguan gedung baru. ‘Toleransi Antar Umat Beragama’, ia ingin menyampaikan keberagaman beragama dalam bermasyarakat. Pentingnya saling menghargai dan menghormati terhadap pilihan agama, kepercayaan dan keyakinan masyarakat.

karya pameran

akrilik di atas kanvas

Lala Nurlala, menampilkan figur imajinatif  yang ilustratif, dengan dipenuhi motif stilisasi tumbuhan. Dia lebih fokus pada garis dan karakter dari figurnya. Garis seperti sebuah strategi dalam membahasakan ketertarikannya pada sesuatu, meredam dan menyelesaikannya. Empat karya Seris Pandemic: Untitled #1-#4 diikutkan pada pameran kali ini. Figur tokoh pewayangan berkarakter pahlawan atau tokoh penyelamat yang diselimuti oleh motif berbentuk ukel membentuk asesoris, busana sampai pada backroundnya. Rumitnya motif yang mendominasi karya tersebut seperti rumitnya situasi Pandemi ini. Dalam satu tema itu ratusan karya bersamaan yang dia ciptakan.

Laksmayshita Khanza Larasati Carita, ketertarikannya pada sesuatu yang sering dilihatnya, dekat dan dipahaminya mengarahkannya pada sebuah konsep seperti halnya pada titik dan garis. Titik-titiknya membentuk sesuatu yang dia bayangkannya. Bisa dilihat pada karya ‘Titik Terang’ dimana dia membuat titik-titik warna terang dengan backround warna hitam. Titik-titik itu membentuk sebuah motif dan dipisahkan dengan garis menjadi beberapa ruang. Begitupun pada karya ‘Kaktus’, dia mengutamakan titik-titik dan sedikit garis besar membentuk objeknya. Kesederhanaan antara titik dan garis ini seperti sebuah kesimpulan dari konsepnya melukis.

Mochammad Yusuf Ahda Tisar, dalam melukis memiliki kecenderungan pada arsitektur dan sesuatu yang alami dari kearifan lokal. Dia berusaha menjelaskan dengan teliti pemahamannya dari apa yang dia lihat dan dipikirkannya. Pengalamannya telah mengajarkan bagaimana prespektif cara berpikir dan cara meyakinkan kemampuannya, meskipun menggunakan alat dan media sederhana yang dimilikinya. Tiga karyanya, ‘Perlahan Tapi Pasti’, menunjukkan pandangan terhadap sikap atau cara menghadapi sesuatu dengan tenang begitu juga bekicot sedang merayap. ‘Islamic Center dan Bubu Penangkap Ikan’ melukiskan Bubu yang berukuran lebih besar dari gedung, dia seperti sedang merancang bangunan dari Bubu penangkap ikan, inspirasi bagi kita. ‘Rumah Panggung Lampung’, memotret bentuk bangunan asli daerah Lampung, rumah panggung yang kini tidak lagi dibangun di kampungnya.

Rofita Rahayu, dari keterbatasan dirinya, semangat hidupnya untuk selalu mengolah rasa. Pertemuannya dengan media lukis menjadi sebuah perjuangan dalam mencitrakan dirinya, mewujudkan mimpi yang terus dia coba menggapainya. Dua karyanya ‘Tentang Harapan dan Kesunyian’, lukisan ini dibuat detail menggambarkan seorang putri bersayap sedang memeluk dirinya sendiri di angkasa. Satu lagi ‘Habibie’, potret teknokrat yang menjadi presiden Republik Indonesia ketiga, BJ. Habibie dan pesawat origami dengan backround merah putih. Pada visual karyanya itulah dia menaruh harapan dan menggapainya.

Wiji Astuti, perancang busana dari Gunung Kidul Yogyakarta berkarya batik kain yang bisa digunakan untuk menghiasi dinding ruangan rumah, kantor atau hotel dengan dibingkai. Motifnya mengambil stilisasi tumbuhan dan binatang yang kerap ia lihat disekitar kampungnya. Seperti pada karyanya ‘Kimpul Wungu’ yaitu stilisasi dari tumbuhan sejenis talas berwarna ungu, pada jaman revolusi umbinya itu menjadi makanan pengganti nasi dan sekarang sudah hampir punah. ‘Pupus Lumbu’ ini juga stilisasi motif sejenis talas berwarna hijau dan ‘Gareng Pung’ serangga sejenis Tonggeret yang biasanya di goreng menjadi lauk makan. Saking banyaknya serangga itu jadi wabah penyakit bagi pertanian penduduk. Motif Batik yang diciptakannya ini kemudian bisa jadi ciri dari batik daerah Gunung Kidul.

Winda Karunadhita, memamerkan tiga karyanya yang sangat romantis, warna yang membangkitkan kebahagiaan dan rasa damai. Penguasaan mengolah warnanya membuat karyanya menjadi hidup dan komunikatif. Dia bercerita tentang kegundahan hatinya, seperti pada ‘Tujuh Bidadari’. Tujuh bidadari itu sedang mandi di sungai diintip pemuda desa, sebuah suasana yang ceria namun dramatik. Begitupun dengan ‘Beauty in The Dark’ bercerita tiga burung menclok di pohon yang rimbun bunga, dua burung menclok berdampingan dan satunya menclok di dahan bawahnya seperti mengajak dialog. Disitulah cerita burung itu dimulai. Satu lagi ‘Forget Me Not Flower’, kisah dua kupu-kupu di taman bunga-bunga. Untuk menghasilkan karya yang indah itu, ia harus menopang tangan yang digunakannya melukis oleh tangan satunya selama menyelesaikan lukisannya. Tangannya tidak memiliki kekuatan, itulah keterbatasannya. Kekuatannya bertumpu pada semangatnya, keteguhan, kesabaran dan keyakinan hatinyalah, ia  kerahkan dalam berkarya. Lalu berapa lama dan bagaimana ia belajar melukis selama ini?

karya seniman perempuan

oil on canvas

Yuni Darlena, sangat terkesan dengan suasana alam yang indah dan budaya di daerahnya. Mengisyaratkan betapa ia ingin bertamasya ke lokasi-lokasi alam itu, keliling nusantara dan mengabadikannya pada setiap goresannya di kanvas. Suasana alam yang sejuk, aman dan nyaman dalam kesederhanaan realitas kesehariannya, terlukis kerinduan serta damainya alam itu. Selama ini dia hanya dapat membayangkan di atas kursi rodanya. Tiga karya yang dipamerkan, ‘Riak-riak di Kampung Nelayan’ menggambarkan suasana atau keadaan rumah nelayan di tepi laut. ‘Sawahku’ suasana petani pedesaan sedang memanen padinya dan ‘Lentera Bengkulu Tempo Dulu “Kala” Badai’, lukisan heroiknya lentera di mercusuar bertahan dari deburan ombak karena badai, menjadi tanda arah bagi para nelayan atau perahu yang berlayar.

Demikianlah sedikit pandangan mengenai sepuluh seniman berkebutuhan khusus yang tangguh menghadapi situasi pandemik dan bersaing dengan para pelukis umumnya. Kelemahan, kekurangan, kelebihan dan keunggulan itu kuasa Tuhan, sejauhmana kita bersyukur dan berusaha lebih baik. Para seniman ini telah menunjukkan kesungguhannya lebih-lebih, karena dia harus berdamai terlebih dahulu dengan kekuarangan fisiknya. Kita pun bisa berdalih dan katakan ‘Peace in Chaos!’

Yogyakarta, 10 Juni 2020